Arts, Culture, and Digital Transformation Summit
Re-imagining the place of the artist in a digital world
Summit dates: November 22 – 24, 2019
Registration deadline: Extended to November, 15
Experience this three-day summit that is designed to ignite curiosity, confidence, and enthusiasm within Canadian art-making practices, which are facing a rapidly digitizing world.
By stimulating expansive imaginings of our digital futures — the good and the troublesome — we'll strive to create an ambitious vision for the role the arts must play in fostering creative, inspiring, and humane realities. To mobilize this vision, we will move beyond information-sharing toward concrete pathways to creation, production, and collaboration.
The Arts, Culture, and Digital Transformation Summit moves from world to art to the audience, connecting the expansive with the practical. We will seek the intersection of two fundamental questions: Where are the arts needed in this disrupted world? And, what do the arts need to expand creative visions there? Join in this dialogue with a breadth of stakeholders including artists, arts and culture leaders, technologists, futurists, funders, policymakers, gamers, researchers, capitalists, and Marxists.
Together we will absorb big questions around big data, delve into discoverability, and explore relationships with rapidly evolving audiences. We will investigate new modes of reality and new ways of making and disseminating creative expressions. We will encounter Indigenous views and practices, and explore how Indigenous voices inform our digital landscapes. We will seek to understand how Canada’s digital arts opportunity connects to larger strategies for our nation as a whole.
Throughout the summit, an ongoing evaluation will surface key themes and concerns in conversations, and structure responsive dialogues. With luck, we will find ourselves in a transformational moment for how we might imagine, create, and occupy our digital selves and the worlds they call forth.
We welcome all who seek to contribute to a national conversation around the emerging pressures and opportunities arising in a hyper-digitized world, and how we find and make meaning there. The summit is aimed at a cross-section of cultural leadership including:
Sign up for our newsletter for summit and speaker updates!
We welcome you to the Arts, Culture, and Digital Transformation Summit at Banff Centre for Arts and Creativity.
Director and CEO, Canada Council for the Arts - Simon Brault
Minister of Advanced Education, Province of Alberta - Demetrios Nicolaides
Mayor, Town of Banff - Karen Sorenson
Vice President of Arts & Leadership, Banff Centre - Howard Jang
The Arts, Culture, and Digital Transformation Summit at Banff Centre explores four key areas, evolving from the expansive to the practical over three days.
disruption. ideas. art. (AX)pectations.
We live in an era of self-driving car crashes, rigged elections, post-truth media, and the biggest wealth gap in history. Wasn't technology supposed to be good?
Today, we explore the breaking dream through the lens of big data, emerging digital identities, and the perspective of Indigenous practitioners.
Day 1 – Morning
Keynote: Calibrating the Disruption
Uncertainty surrounding the depth of digital disruption makes us question whether we have new tools for the same ends, or if something far deeper is at work. As technology infiltrates the many corners of our lives, diagnosing our digital disruption becomes a pressing concern. Hear one of the world’s sought-after thinkers contemplate our rapidly digitizing existence.
The keynote address will be immediately followed by an interview between the keynote speaker and a member of the summit leadership team, weaving questions pertaining to summit themes prevalent to days two and three into a conversation spanning global views, artistic practice, and audience experience.
The morning will conclude with a general Q&A discussion with the audience, as well as conversations facilitated through smaller group discussions.
Day 1 – Afternoon
Launchpad Discussion: AI, Reality, and Ethics
Nothing has come to represent our digital anxieties like artificial intelligence. Is this the robot apocalypse or the tool we’ve been dreaming of since we first tamed fire? This session explores AI – how it works, how it replicates and revolutionizes our real worlds, the ethical challenges it raises, and the implication of agency that arises for all humans except a very select few.
Presentation: Being Online – Identity, digital identity, and the forces that shape (and own) us online
We all live online in ever-increasing ways – from those without internet access existing as mere statistics, to those whose material and existential purposes are inseparable from online platforms. How are we defining our digital identity versus our ‘other’ identity, what are the forces shaping digital identity, and how do they differ from more traditional contexts in which our identities emerge?
Panel: Agency and Voice in Response to a Digitized World
The offline world has been proficient at marginalization, oppression, and exclusion. In exploring the question of marginalization and the digital world, we ask whether the digital world is replicating or magnifying our past, or if it can offer unique agency to marginalized voices to escape this pattern.
Panel: Ideas into Practice
The sprawling ideas, anxieties, and possibilities addressed over day one find their way into artistic practice. Three leading practitioners from around the world carry us into the wild world of art-making in a digital world. Join our guest artists in an exploration of how these expansive themes find unique platforms in digital creation.
As governments the world over transform arts policy and funding mechanisms for digital life, we contemplate the ideas and assumptions that lie behind this transformation. A surprisingly long history of digital arts in Canada informs our understanding of where we are on the continuum, how we fare globally, and where our future lies.
The perspective of artistic practice has sometimes struggled to make it into our digital strategy discussions. In moving our practices into emerging spaces, we illuminate key challenges and opportunities associated with making the often-not-so-magic leap.
Day 2 – Morning
Banff – The Third Space
Former Director and Executive Producer of the Banff New Media Institute, Susan Kennard shares reflections on the evolution of the Banff New Media Institute. This presentation highlights hopeful experiments, thematic debates and the high altitude culture of engagement, creativity and risk-taking curated and designed by the Founder and Creator of the Banff New Media Institute, Sara Diamond.
Launchpad Discussion
Learn about best practices and worst nightmares. Follow the developmental path of a theatre artist, director, and dramaturge who shares the often-humbling insights of creating new work amidst the rapid proliferation of digital affordances.
Day 2 – Afternoon
Panel: Systems Change – Digital disruption and funding development, a global view
Countries around the world are experimenting with new approaches to policy to keep up with digital disruption and, ideally, to get ahead of the curve. Starting from the viewpoint that keeping up requires concerted efforts among policy-makers, funders, and practitioners, this panel will explore the design and impact of recent policy and funding approaches in Canada, the U.K., and Europe.
Panel: Industries Colliding or Cross-Sector Collaboration
The swift tide of cognitive habituation and ‘novelty malaise’ in the digital age is daunting, especially for small and mid-scale players who can't afford to invent new platforms and forms with every project. This panel explores the challenges in bridging the divide between the creative industries, as gaming and tech advancements provide tantalizing and challenging opportunities that don’t always align with the culture and constraints of Canadian arts practices.
Presentations: Practitioner Pecha Kucha
20 images. 20 seconds. Hear from an array of artists who have braved the worlds of digital transformation, bringing the challenges and opportunities of digital art making into their own practice.
Digital landscapes are changing our audiences, their preferences, their patterns and their expectations. Online streaming, shifting artistic forms, and AI management of information systems are producing urgencies and rapidly evolving questions when it comes to our relationships with and understanding of audiences.
The structure of the Arts, Culture, and Digital Transformation Summit is designed to maximize emergent ideas and dialogue and employ strategies to capture salient themes throughout. The final day includes a yet-unprogrammed session, allowing us to workshop priorities as determined by you, the summit participant.
Day 3 – Morning
Presentation: What is a ‘Good’ Audience and When Are They Not?
Digital disruption doesn’t just mean new things for artists to learn, but the audience as well. New modes of expression mean new roles for the audience to play, and new skills needed to play them. What are the implications of this fluid reality for audience engagement and the development and dramaturgy of new work?
Presentation: AR, VR, MR, and the Fluidity of Reality in Digital Arts Practices
This session explores the evolution of the audience experience through work that is curated, location-specific, and features interactive prototypes proposing audience interactions with emerging technologies in augmented reality, virtual reality and mixed reality encounters.
Panel: The Interacting Audience
This panel explores themes of audience interactivity, authentic invitation, high-risk versus low-risk interactivity, directed versus self-directed interactivity, and laying out the rules of engagement.
Panel: Incubating Infrastructure
Exploring the infrastructure response to our digital curiosities, this panel discusses how to optimize the technical and human resource dimensions of our facilities in order to incubate efficient and adventurous experimental processes. The panel will highlight best practices from Canada, the U.K., and Europe as we look to see what’s missing in the Canadian landscape and how we might fill that gap.
Day 3 – Afternoon
Panel: Creative Technologies Beyond the Screen
While always a component of digital innovation, the pace at which creative technologies are extending beyond the screen-based world is accelerating, impacting design, fashion, performance, and production. This panel will explore how novel software and hardware, including advanced robotics, manufacturing technologies, projection, sensing, AI, and mixed realities impact the creative sector. In particular, the panel will focus on how these techniques are part of an ever-evolving relationship with audiences.
Panel: Discoverability
As machine-learning becomes an essential go-between for humans and their worlds, ensuring compatibility and coherence of metadata strategies requires significant overhaul of current marketing, promotion, and classification practices. How do we lead such a process in order to keep Canadian arts visible and thriving in a digital world?
Closing: The Way Forward
The goal of this summit is to inspire dialogue amongst a gathering of esteemed colleagues and artists across the three days, which will uncover and identify emergent themes, and highlight critical areas of discourse that remain urgent. These elements will be brought forward as a means of ratifying outcomes and focusing on opportunities for spin-off workshops and gatherings.
View the regularly updated schedule of events and find event details.
Virtual Reality, Art Installations, and Performances will punctuate the sessions of the Arts, Culture, and Digital Transformation summit. These activities are open to the public and offer an insight into work being done in these highly relevant fields.
Reneltta Arluk est une femme inuvialuite, dénée et crie des Territoires du Nord-Ouest. Diplômée du programme de baccalauréat en théâtre de l’Université de l’Alberta, elle est la fondatrice d’Akpik Theatre, la seule compagnie de théâtre autochtone professionnelle des Territoires du Nord-Ouest. Akpik Theatre s’applique à établir une voix autochtone du Nord authentique au moyen du théâtre et de l’art du conte. Reneltta Arluk a été élevée par ses grands-parents sur le sentier de piégeage depuis qu’elle a l’âge d’aller à l’école; ce style de vie nomade lui a donné les compétences nécessaires pour devenir l’artiste multidisciplinaire qu’elle est aujourd’hui. Elle a participé à des productions théâtrales autochtones — ou a donné l’élan de départ à leur création — aux quatre coins du Canada et à l’étranger.
Reneltta Arluk s’engage à présenter des histoires inspirées par la langue autochtone et elle travaille en profondeur avec des jeunes issus de groupes minoritaires ou autochtones dans le cadre du travail de représentation de sa compagnie de théâtre. Pour Akpik Theatre, elle a écrit, produit et joué dans différentes œuvres portant sur la décolonisation et se servant du théâtre comme outil de réconciliation. Au nombre de celles-ci figure Pawâkan Macbeth, une adaptation de Macbeth en cri des plaines écrite par Renellta Arluk sur le territoire visé par le Traité no 6. Pawâkan Macbeth a été inspiré par le travail de l’auteure avec Owen Morris et ses étudiants dans la réserve de Frog Lake. En 2017, Reneltta Arluk est devenue la première Inuite et la première femme autochtone à diriger le Festival de Stratford. Elle a reçu le prix Tyrone Guthrie — Derek F. Mitchell (direction artistique) pour la direction de The Breathing Hole de Colleen Murphy, lauréate du prix du Gouverneur général. Reneltta Arluk est maintenant directrice du volet des arts autochtones au Centre des arts et de la créativité de Banff.
Kate Armstrong est une artiste et commissaire d’expositions qui vit à Vancouver. Elle cumule 20 ans d’expérience dans le secteur culturel, et le gros de son travail se situe au carrefour de l’art et de la technologie. Sa pratique artistique englobe des événements ayant lieu dans des espaces urbains, des systèmes de génération de textes et des formes numériques expérimentales. À titre de commissaire, elle a dirigé des expositions, des événements et des publications en art et en technologie sur la scène internationale. Elle a fondé Upgrade Vancouver – membre d’un réseau international d’organismes présent dans 30 villes, a fondé Goethe Satellite qui a produit dix expositions à Vancouver entre 2011 et 2013, et a été présidente du comité d’administration du Western Front. En 2015, Kate Armstrong a été la directrice artistique de la 21e édition de l’International Symposium on Electronic Art, qui s’est associé à 15 galeries d’art et autres organismes pour présenter les œuvres de 150 artistes.
Kate Armstrong est la fondatrice de Startland, un organisme qui a recueilli 500 000 dollars pour offrir des formations gratuites à des immigrants et à des réfugiés qui veulent se faire une place dans le secteur de la technologie. Elle fait partie des membres fondateurs de BC Artscape et est membre du conseil administratif de la Vancouver Art Gallery. De plus, elle a récemment siégé au comité consultatif externe sur la mise au point du nouveau plan culturel pour la Ville de Vancouver.
Elle a écrit pour les publications P.S.1/MoMa, Blackflash, Fillip, SubTerrain et la Kootenay School of Writing, a participé à DAMP: Contemporary Vancouver Media Arts (Anvil Press, 2008). Elle est directrice de la rédaction de Ten Different Things (2018), Art and Disruption (2015), et Electric Speed (2013). Elle est l’auteure de Crisis & Repetition: Essays on Art and Culture (Michigan State University Press, 2002) et de nombreux autres essais. Elle a récemment collaboré à For Machine Use Only: Contemplations on algorithmic epistemology (&&& c/o The New Centre for Research and Practice, 2016). Au nombre de ses livres, notons également Medium (2011), Source Material Everywhere (2011) et Path (2012). Les œuvres de Kate Armstrong font partie de collections publiques et privées dont celles de Rhizome, la Rose Goldsen Archive (Division des collections de documents rares et manuscrits) à l’Université Cornell, les Clara Thomas Archives and Special Collections à l’Université York, la Library of the Printed Web, et le Whitney Museum of American Art (apport à Ways of Something [2017] de Lorna Mills).
À titre de directrice de Living Labs et du Shumka Centre for Creative Entrepreneurship à l’Université d’art et de design Emily Carr, où elle se spécialise dans les partenariats interdépartementaux, elle élabore plus de 30 projets d’art, de design, de recherche et de technologie par année.
Owen Brierley œuvre à différents carrefours ; celui des arts et de la science, des médias et du calcul informatisé, de l’éducation et de la recherche, du leadership et du mentorat. Au cours des trente dernières années, Owen a eu deux carrières principales : la première dans les arts du spectacle comme acteur et metteur en scène dans le monde du théâtre à Edmonton, à Winnipeg et à Toronto ; la seconde comme réalisateur en médias numériques travaillant pour des organisations comme Videotron, ATB, la Ville d’Edmonton, Alberta Education, Microsoft, le Citadel Theatre, le réseau anglais de Radio-Canada et Fox Television. Tout au long de sa carrière, il a aussi sporadiquement enseigné, entre autres, à l’Institut de technologie du Nord de l’Alberta (NAIT), à l’Université MacEwan et à l’Université de l’Alberta. Il a donné des conférences sur des sujets allant des « jeux sérieux » (à Washington) à la représentation héliocentrique de la production transmédia (pour le Festival international des médias de Banff). Owen Brierley est aussi à l’aise lorsqu’il discute de plans marketing avec des vice-présidents dans les salles de réunion de Deloitte que lorsqu’il parle de subtiles stratégies d’animation par images clés permettant des séquences animées d’un plus grand réalisme avec des étudiants du premier cycle universitaire. Il termine actuellement une maîtrise en Design médiatique et calcul informatique à l’Université de Calgary.
Katerina Cizek est directrice artistique et cofondatrice du Studio de création de l’Open Documentary Lab à MIT. Elle a récemment publié une étude sur le terrain novatrice sur les pratiques de cocréation dans les arts, le journalisme et le documentaire, intitulée Collective Wisdom (sagesse collective). Réalisatrice de documentaires deux fois récompensée par un prix Emmy, elle travaille au carrefour des médias émergents. Durant plus de dix ans, à l’Office national du film du Canada, elle a contribué à redéfinir cet organisme comme l’un des centres de production de contenu numérique de premier plan dans le monde, au moyen des projets « Cinéaste en résidence » et HIGHRISE. Tous deux axés sur la communauté et reconnus à l’échelle mondiale, ces projets sériels et numériques révolutionnaires ont mérité, entre autres, un prix Peabody, un prix de World Press Photo et un prix Écrans canadiens.
Katerina Cizek a établi des partenariats de cocréation non conventionnels avec des organisations diverses allant d’un hôpital d’enseignement de quartier défavorisé au New York Times, en passant par la Fondation Mozilla. Ses projets sont interventionnistes et axés sur la cocréation ; ils ont eu un apport considérable dans les échanges sur la politique sur les soins de santé, la planification urbaine, de même que les résultats sur la santé et les conditions de vie des participants mêmes.
Les documentaires antérieurs de Katerina Cisek sur les droits de la personne ont donné lieu à des enquêtes criminelles et à des modifications des politiques de l’ONU, et ont été présentés comme éléments de preuve à un Tribunal pénal international. Au nombre des films de Katerina Cisek, notons Seeing is Believing : Handicams, Human Rights and the News (2002, coréalisé avec Peter Wintonick, et gagnant du prix Hampton), In Search of the African Queen: A People Smuggling Operation (1999) et The Dead are Alive: Eyewitness in Rwanda (1995).
Katerina Cisek est actuellement une professeure invitée de marque à la faculté de communications, art et design (FCAD) de l’Université Ryerson. Elle voyage fréquemment dans le monde pour enseigner, prodiguer des conseils et transmettre des démarches novatrices dans le domaine du documentaire et du journalisme.
Sharon est une auteure dramatique, dramaturge, productrice et directrice créative de Raucous, une compagnie de théâtre britannique qui allie la technologie la performance, la musique, le cinéma et la création technologique. Elle a écrit 16 pièces pour le théâtre et son travail a été nommé pour le Yale Drama Prize, le National Theatre Playwright’s Award et le PapaTango Prize.
En 2018, elle a reçu le prix du jury Bruntwood pour l'écriture dramatique. En 2017, Sharon a travaillé avec Aardman Animations sur le film de réalité virtuelle de la BBC Is Anna Okay?. Elle est résidente du célèbre Pervasive Media Studio à Bristol, artiste associée au The Egg à Bath et conférencière en écriture théâtrale et en écriture pour plateformes numériques à l'Université Bath Spa. En 2018, elle a reçu une bourse du South West Creative Technology Network pour explorer la performance immersive. En 2019, elle a été nommée membre de la Royal Shakespeare Company / Magic Leap Digital.
En Suède, à la fin des années 1990, dans une banlieue tranquille de Stockholm… un adolescent qui rêve de devenir producteur de musique vient de mettre la main sur le premier logiciel de production musicale capable de rivaliser avec des installations professionnelles. À l’époque, ce jeune homme est perçu comme un excentrique – il écoute de la musique « trance », et affirme qu’il fait de la musique alors qu’il est assis calmement dans sa chambre; il se voit refusé par toutes les maisons de disques auxquelles il envoie son CD de démonstration. C’est alors que Napster fait son entrée.
Du jeune aspirant créateur, puis quasi pirate informatique, jusqu’au producteur travaillant avec les grands de la musique, il a également obtenu un doctorat en chimie organique, collaboré avec Hyper Island et les vedettes de la scène techno de Stockholm, et créé l’entreprise Oddball Ventures, pour en venir aux présentations TEDx et à une nomination pour le titre de conférencier de l’année en Suède en 2017. Ashkan Fardost n’a pas seulement fait l’expérience de l’évolution d’Internet : il l’a observée à partir de points de vue auxquels peu de gens ont eu accès. Il se distingue par sa compréhension d’Internet en tant que phénomène psychologique, sociologique et anthropologique qui modifie l’ensemble de la dynamique du monde.
S’appuyant sur la pensée de grands philosophes et sociologues, il commence par dévoiler ce qu’être humain signifie. À la lumière de l’anthropologie, il nous montre ensuite ce qui a catalysé la civilisation humaine et ce qui continue de la propulser. Indice : c’est entièrement lié aux technologies de l’information! Enfin, il ajoute Internet et les tendances technologiques actuelles à son modèle, faisant la lumière sur la route sur laquelle nous nous sommes précipités – et sur la façon dont elle nous transforme pour toujours.
Patrick Finn est spécialisé en technè (c.-à-d. en technologie du rendement). Il a étudié plus qu’il n’est recommandable de le faire, mais il refuse d’arrêter de s’instruire. Pour son bien, il faudra peut-être qu’un de ses proches intervienne. Il est professeur agrégé à l’École des arts de la création et du spectacle (School of Creative and Performing Arts) et directeur du département de Design médiatique et calcul informatique à l’Université de Calgary. Il a enseigné, donné des conférences et animé des ateliers aux quatre coins de l’Amérique du Nord, au Royaume-Uni, en Europe, au Japon et en Chine. Il travaille avec des artistes, des athlètes, des chefs d’entreprise, des gouvernements, des entreprises privées et publiques, et des particuliers pour les aider à améliorer leur rendement. Il est actif dans les secteurs public et privé et, à différentes époques, a travaillé comme musicien, auteur, concepteur graphique, programmeur, acteur et chef d’entreprise ; il a aussi bâti, exploité puis vendu sa propre entreprise de technologies de l’information. Si Patrick Finn excelle à ce point dans son travail, c’est parce qu’il s’est toujours dit que s’il se donnait tout entier à ce qu’il fait, tout le reste se placerait naturellement. Le résultat de son dévouement complet à cette conviction — quoiqu’il s’agisse d’un choix de vie insensé qui garantit presque qu’il va finir ses jours tout seul, sans avoir jamais vraiment vécu — est que ses œuvres sont, en fait, plutôt extraordinaires.
À la fois avocate, médiatrice agréée, artiste et stratège de l’impact social, Valentine Goddard est une experte reconnue en ce qui concerne les implications éthiques et sociales de l’intelligence artificielle (IA). Elle est membre du groupe d’experts des Nations Unies sur le rôle des institutions publiques sur l’impact des nouvelles technologies.
Elle est la présidente fondatrice et la principale conceptrice du congrès « AI on a Social Mission », qui vise à favoriser un dialogue intersectoriel et multidisciplinaire sur les implications sociales et éthiques de l’IA. AI on a Social Mission garantit une importante participation d’organismes à vocation sociale; les recommandations émises par ses participants sont diffusées dans le monde entier.
Valentine Goddard est la fondatrice de l’AI Impact Alliance, une organisation non gouvernementale internationale de type associatif dont la mission est de doter les organismes de moyens d’agir en les aidant à comprendre le potentiel et les implications de l’IA, d’appuyer l’utilisation de l’IA au service d’objectifs de développement durable, et d’orienter les politiques vers une gouvernance de l’IA favorisant l’inclusion. L’AI Impact Alliance est l’un des membres fondateurs de
Au fil de sa carrière d’avocate, Valentine Goddard a pratiqué le droit des réfugiés, le droit du travail, le droit social et le droit administratif, en plus de faire des pressions en vue d’assurer un meilleur accès à la justice. Elle a enseigné le droit comparé au Japon, et a aussi lancé et financé des projets de médiation culturelle axés sur l’éducation en matière de droits de la personne. Bref, la dignité humaine est au cœur de sa démarche multidisciplinaire appliquée aux questions éthiques associées à l’IA.
Chalo Hancock est un leader qui s’investit avec passion dans le démarrage, l’expansion et le soutien d’organisations. Il se dit honoré de se joindre à l’Artscape Daniels Launchpad en tant que directeur général. Il s’enthousiasme à l’idée de mettre ses atouts — communication claire, établissement de rapports, et excellentes capacité d’analyse et compétences opérationnelles — au service de l’équipe de Launchpad. À titre de cofondateur de U for Change, un organisme de bienfaisance primé de Toronto, il a participé à la conception de programmes dans le cadre desquels plus de 2 500 jeunes ont obtenu leur diplôme dans les arts. Chalo Hancock a également pris part au lancement et à l’expansion de Christopher Paunil Designs, une marque de robes de mariée et de tenue de soirée réputée sur les marchés internationaux. En 2012, il a reçu la Médaille du jubilé de diamant de la reine, reconnaissant son service exceptionnel, qui lui a été remise par Sa Majesté le prince de Galles. En 2017, il a reçu un prix du Leader de la relève de la Fondation Lawson pour son travail de développement de la conscience communautaire. Chalo Hancock a toujours été de tout cœur avec les artistes, les personnes créatrices et la communauté.
Lise Ann Johnson est la directrice des initiatives stratégiques de subventions au Conseil des arts du Canada. Ses responsabilités comprennent l’administration du Fonds Stratégie numérique, qui soutient la transformation numérique du secteur des arts au Canada, ainsi que de L’accélérateur de création, un projet pilote conjoint du Conseil des arts et de CBC/Radio-Canada appuyant la conception, la création et la diffusion de contenu numérique original. Depuis qu’elle s’est jointe à l’équipe du Conseil des arts du Canada en 2012 à titre d’agent de programme dans le Service du théâtre, Lise Ann Johnson y a également travaillé comme gestionnaire du programme « Appuyer la pratique artistique » et comme directrice des opérations des programmes de subventions.
Auparavant, Lise Ann Johnson a travaillé dans le monde du théâtre comme metteuse en scène et comme conseillère dramaturgique, et sa passion pour les nouvelles pièces canadiennes y était manifeste. Elle a été la directrice artistique de la Great Canadian Theatre Company de 2005 à 2012, et adjointe artistique et directrice littéraire du Théâtre anglais du Centre national des arts de 2001 à 2005. De 1997 à 2005, elle a coordonné et dirigé On the Verge, le festival national annuel de lectures de pièces en préparation du Centre national des arts. Lise Ann Johnson est titulaire d’une maîtrise ès arts en théâtre de l’Université de l’Alberta et a suivi le programme de mise en scène de l’École nationale de théâtre du Canada ; elle a aussi a fait un stage au Mark Taper Forum à Los Angeles, une résidence internationale au Royal Court Theatre de Londres, et un stage intensif au Saratoga International Theater Institute (SITI) à New York.
Depuis plusieurs années, Frédéric Julien est actif dans les arts de la scène en tant qu’artiste, administrateur d’activités artistiques, consultant, porte-parole et initiateur de changements. Il dirige des activités de recherche et développement de l’Organisation canadienne des organismes artistiques (CAPACOA) depuis neuf ans. À ce titre, il a dirigé ou signé plusieurs initiatives clés en recherche, dont L’importance de la diffusion : une étude sur la diffusion des arts vivants au Canada, Signes vitaux : Arts et appartenance, La numérisation des arts du spectacle, et Envergure et retombées de la diffusion de spectacles.
Bénévole actif, Frédéric Julien a été coprésident du conseil d’administration de la Coalition canadienne des arts, membre du CA d’Arts Health Network Canada, et de son association de quartier à Gatineau.
Richard Lachman est directeur du programme Zone Learning de l’Université Ryerson, et responsable du développement des technologies de création ainsi que de l’Institut de recherche en médias expérientiels pour la faculté des communications et du design (FCAD) de la même université. Toujours à Ryerson, il est professeur agrégé en médias numériques de la RTA School of Media et travaille comme consultant en création et en technologie à des projets de développement dans les domaines du logiciel et du divertissement. Durant sa carrière, Richard Lachman — qui a été lauréat aux prix Gémeaux pour son travail de production — a travaillé à de nombreux projets axés sur l’interactivité et les médias convergents, tous couronnés de succès, au Canada et aux États-Unis.
Richard a fait son doctorat à l’Université de Nouvelle-Angleterre (UNE) en Australie, où il a étudié les moteurs de recommandation de logiciels. Il a fait ses études de premier cycle en informatique à MIT, et est titulaire d’une maîtrise de MIT (Groupe de cinéma interactif du Laboratoire des médias). Il a fait partie d’une jeune entreprise acquise par Mattel, où il a fini par être concepteur principal et ingénieur en chef pour le logiciel Petz dont plus de 3 millions d’unités se sont vendues dans le monde. Le logiciel a mérité des prix du ID Magazine and Communications Arts, a fait l’objet d’articles dans le New York Times, USA Today et Time Magazine, en plus d’avoir été exposé à l’American Museum of the Moving Image de New York.
Ses plus récents travaux dans la transmédialité lui ont valu un prix Gémeaux, un Prix des nouveaux médias canadiens et un prix Webby. Il a dirigé des exercices de collaboration en design pour l’UNICEF, le Festival international du film de Toronto, Penguin UK, Kobo, et le Conseil de la radiodiffusion et des télécommunications canadiennes, entre autres. Au nombre de ses domaines de recherche figurent la narration transmédia, le documentaire numérique, les expériences de réalité virtuelle/augmentée/axée sur le lieu, la réalité mixte, et la réflexion sur la collaboration en design.
David Maggs a une carrière active en tant qu’artiste interdisciplinaire et chercheur en arts. Il est le fondateur de l’ensemble Dark by Five, dont il est aussi pianiste. Il a composé des pièces pour la scène et a collaboré à des projets de réalité amplifiée de grande envergure. David Maggs est le directeur artistique du festival interarts canadien en milieu rural Gros Morne Summer Music; il est également fondateur et éditeur de la revue sur les arts numériques Old Crow, et le directeur de la Graham Academy, une académie de formation en arts de la scène pour les jeunes.
David Maggs a conçu et coréalisé The Country, documentaire du réseau anglais de Radio-Canada. À titre de chercheur, David se concentre sur les pratiques artistiques et le défi que pose la durabilité du point de vue de l’environnement. Sa thèse de doctorat Artists of the Floating World a mené au projet de recherche collectif Sustainability in an Imaginary World, dirigé par John Robinson et financé par le Conseil de recherche en sciences humaines du Canada (CRSH). Ses travaux de recherche visent une meilleure compréhension de la durabilité en tant que défi culturel et des arts en tant que déclencheurs de répercussions sociales. Il a été conférencier vedette, entre autres, au Canadian Arts Summit, à l’International Transdisciplinarity Conference (Allemagne), au congrès national Valuing Nature, à l’American Association for the Advancement of Science, et à l’École polytechnique fédérale de Zurich (ETH Zürich).
Je conçois et pilote des projets intersectoriels complexes.
Dans mon travail, je m’efforce :
1. de décentraliser l’hégémonie des institutions dans le travail culturel ;
2. d’explorer et d’essayer de nouvelles manières d’organiser le travail et de collaborer ;
3. de recombiner les connaissances d’experts et l’expérience de façon à régler des problèmes majeurs.
Je fais cela en me posant des questions sur la manière dont la culture est constituée, en trouvant des exemples de la façon dont la culture est établie par d’autres, et en expérimentant afin de m’informer sur les défis complexes auxquels nous devons collectivement faire face et de les surmonter. Ma démarche est axée sur la création d’espaces où les gens se réunissent de manière à ce que différentes choses puissent se produire. J’ai été directeur de programme au Centre des arts et de la créativité de Banff et de l’Artscape Daniels Launchpad. J’ai été nommé parmi les « leaders responsables » de la Fondation BMW et je suis boursier de la Royal Society of Arts, Manufactures, and Commerce (Royaume-Uni). J’ai passé les 15 dernières années à créer des occasions pour différentes communautés de se réunir et de créer ensemble. Concevoir des espaces qui ne privilégient pas une manière particulière de voir le monde est un défi constant. J’y travaille depuis longtemps.
Alex McLean est un concepteur en théâtre, un metteur en scène et un auteur qui vit à Halifax, en Nouvelle-Écosse. Il est codirecteur artistique de la célèbre compagnie Zuppa Theatre Co. de Halifax, avec laquelle il a coécrit et mis en scène 15 spectacles originaux – dont les plus récents, The Archive of Missing Things et Pop-Up Love Party, ont été présentés en tournée internationale — et This is Nowhere, un spectacle avec traitement numérique en temps réel qui bénéficie du soutien du programme Nouveau chapitre du Conseil des arts du Canada.
Les pièces d’Alex McLean ont été présentées en tournée aux quatre coins du Canada, aux États-Unis et au Royaume-Uni. L’auteur est l’un des membres fondateurs de Number Eleven Theatre, comme Ker Wells avec qui il a cocréé The Prague Visitor et Icaria (1998-2006), pièces dans lesquelles il a aussi joué. En 2005, il était l’un des principaux artistes du projet Moving Stage Lab de l’Institut International du Théâtre (ITI) à Copenhague, au Danemark.
Alex McLean est titulaire d’une maîtrise ès arts de l’Université de Toronto et a étudié à la University of King’s College (Nouvelle-Écosse), à Double Edge Theatre, à Primus Theatre et à l’École Philippe Gaulier (Angleterre). Il a travaillé à des productions d’Opera Nova Scotia, de Vertical City Performance, d’Eastern Front Theatre, de l’International Agatha Christie Festival, du département de théâtre de l’Université Dalhousie, de Rising Tide Theatre, et de Two Planks and a Passion Theatre. Spécialiste de la création axée sur la collaboration, il a publié des articles dans la Canadian Theatre Review, WORKS, New Canadian Drama et Critical Perspectives on Canadian Theatre in English.
Patrick Pennefather, qui s’est récemment joint au programme de théâtre et de cinéma de l’Université de la Colombie-Britannique en Production et Design, se passionne pour l’établissement de partenariats entre différentes parties prenantes de différents secteurs : secteur universitaire et culturel, secteur des services et des médias numériques. Il a organisé et animé de nombreux ateliers axés sur les résultats dans les domaines des ressources, du spectacle et de l’éducation dans le cadre de congrès et salons comme CVR, SXSW, GDC, SIGGRAPH et IndieCade. Au cours des dix dernières années, il a mis au point une méthodologie efficace de prototypage rapide mettant l’accent sur le mentorat d’équipes construisant de manière collaborative des prototypes numériques extensibles, avec plus de 45 sociétés et organisations (Microsoft, EA, Ubisoft, Blackbird, Finger Foods, Kabam et bien d’autres encore) au moyen de séances portant sur l’alignement des priorités, les initiatives de recherche, la vision, la stratégie, la résolution de problèmes et l’extensibilité. Dans le milieu universitaire, il a conçu et mis en œuvre du contenu avec le programme de maîtrise en médias numériques de BCIT, avec l’Université Ryerson, l’Université de Wuhan, l’Université des communications de Chine, l’Université du Nord de la Chine, l’Université de la Colombie-Britannique et l’Université Simon Fraser. Dans l’industrie des médias numériques, il a piloté de petites équipes à l’échelle internationale avec Riot Games, EA, Microsoft Big Park, Fujitsu, Procon Mining Safety, Crystal CG (Chine), la Ville de Fukuoka, NGX, Ballet BC, la British Columbia Museum Association, l’Arts Club Theatre, et la British Columbia Lottery Corporation. Ses intérêts et ses activités de recherche sont axés sur le prototypage rapide dans le contexte des réalités mixtes ainsi que sur la conception dans le domaine de la spatialisation sonore pour les environnements physiques et virtuels. Peu importe le projet, il s’appuie sur son expérience de compositeur et concepteur du son primé dans les productions devant public et les productions diffusées. Il a en effet travaillé à plus de 250 productions au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Asie.
Fran Sanderson est directrice de l’équipe des programmes et investissements en arts et culture à Nesta, y compris du service de finance, qui offre des prêts ayant un effet considérable à des organismes artistiques et culturels par l’entremise de deux fonds : l’Arts Impact Fund et le Cultural Impact Development Fund. L’équipe travaille à divers projets visant les objectifs suivants : parvenir à une meilleure compréhension et à une expression claire de la véritable envergure des effets des arts, de la culture et de l’économie de la création ; promouvoir des partenariats et modèles innovants de financement et de gestion, comme le financement mixte, l’investissement à incidence sociale et le financement participatif ; favoriser une meilleure compréhension des effets positifs des arts et de la culture et un plus grand accès à ceux-ci ; aider les organismes voués aux arts et à la culture à expérimenter avec les nouvelles technologies et à en profiter, par exemple en collaborant avec Arts Council England (le Conceil des arts de l’Angleterre) à la production du Digital Culture Survey qui porte sur l’utilisation de technologies numériques dans les arts et la culture. Au nombre des initiatives en cours, notons « Amplified » – un programme de soutien structurel et financier qui aide les organismes à vocation culturelle ou créatrice à se servir d’idées numériques pour générer des répercussions sociales, et un projet financé par Innovate UK, dans le cadre duquel un consortium dirigé par la Royal Shakespeare Company et comptant des joueurs d’envergure dont, entre autres, Punchdrunk, Magic Leap, EPIC Games et Marshmallow Laser Feast, examine ce à quoi ressemblera le public de demain.
Auparavant, Fran Sanderson a été gestionnaire de fonds chez JPMorgan, puis a passé du temps à voyager en fourgonnette de camping et à vivre hors réseau dans le sud du Portugal avec sa jeune famille. Elle s’est jointe à Big Society Capital dès la création de la compagnie en 2012, puis à l’équipe de Nesta en 2015.
Pratim Sengupta est professeur en sciences de l’apprentissage et titulaire de la chaire de recherche en éducation dans le domaine des STIM (sciences, technologie, ingénierie et mathématiques) à l’Université de Calgary. Ses travaux de recherche et sa démarche créatrice sont axés sur la création de technologies, d’espaces et d’expériences publics de science informatique de source libre passant par un engagement collectif immersif et « incarné ».
Ses œuvres ont fait l’objet d’installations à la Cullman Research Gallery, au Musée d’art moderne (MoMA) de New York, au Telus SPARK Science Centre, au Studio Bell (Centre national de musique), et au Centre des arts et de la créativité de Banff. Il est lauréat du prix Career de la Fondation nationale pour la science (NSF) des États-Unis et d’une bourse Paul D. Fleck du Centre des arts et de la créativité de Banff.
Ana Serrano est directrice générale du Centre canadien du film et fondatrice du CFC Media Lab, institut de renommée mondiale pour la narration interactive créé en 1997. Plus récemment, elle a lancé IDEABOOST, le premier accélérateur de divertissement numérique au Canada, et en est la directrice générale. À ce jour, Serrano a dirigé le développement de plus de 130 projets en médias numériques, a encadré plus de 50 jeunes entreprises et a reçu de nombreux prix des industries du média numérique, du cinéma et du théâtre, tant au Canada qu'aux États-Unis, notamment un prix de média numérique de l'Académie canadienne du cinéma et de la télévision en 2015. En 2018, Serrano a reçu du gouvernement français les insignes du Chevalier de l'ordre des arts et des lettres. Parallèlement à sa profonde expérience des médias numériques et du divertissement, Serrano a été une bénévole active pour de nombreuses organisations et siège actuellement en tant que coprésident du projet Open Democracy et en tant que membre du conseil d'administration du Center for Mindfulness Studies.
Matthew Spremulli est responsable de mission en architecture, ingénierie et construction dans des centres de recherche technologique Autodesk. Il a fait une maîtrise en architecture durant laquelle il s’est concentré sur les médias numériques, la fabrication, le design urbain et l’aménagement paysager. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont une mention spéciale de la Società di Cultura à la Biennale de Venise (avec le cabinet d’architecture Lateral Office) et une bourse Frank Lloyd Wright de l’Université of Toronto. Dans sa vie professionnelle, Matthew Spremulli s’est impliqué dans des activités expérimentales et axées sur la recherche dans le domaine de la conception architecturale en portant une attention particulière au carrefour des technologies interactives, de la fabrication, de la communication visuelle, du design urbain et de l’aménagement paysager.
Il a une expérience considérable en recherche (design), en pratique expérimentale et en éducation. Il a dirigé de nombreux projets de design primés et des expositions publiques d’envergure. Il a été codirecteur du projet Adaptations à l’Arctique : Nunavut à 15 qui a représenté le Canada à la Biennale architecturale de Venise en 2014. Il a été chercheur-concepteur en chef du projet Future of Suburbia du Center for Advanced Urbanism de MIT à la Biennale de recherche de 2016. Plus récemment, il a été coordonnateur de la recherche du Living Architecture Systems Group, pour lequel il a forgé des collaborations parmi des concepteurs, des chercheurs et des chefs de file de l’industrie de l’architecture expérimentale qui intègrent des caractéristiques « vivantes » aux concepts.
Matthew Spremulli a enseigné et donné des conférences sur les médias numériques et le design dans plusieurs universités. Il est également chargé de cours à la Faculté d’architecture, d’aménagement paysager et de design John H. Daniels de l’Université de Toronto. Dans le cadre de ses fonctions, il examine les applications expérimentales des médias numériques en architecture paysagère mettant l’accent sur la simulation, l’animation, la modélisation générative et les formes hybrides de médias numériques.
Jenn Stephenson est professeure à la Dan School of Drama and Music de l’Université Queen’s. Son plus récent livre est Insecurity: Perils and Products of Theatres of the Real (UTP, 2019). Un autre livre, Performing Autobiography: Contemporary Canadian Drama a reçu le prix Ann Saddlemyer de l’ACT (L’Association canadienne de la recherche théâtrale) en 2013. Jenn Stephenson a également publié des articles dans le Theatre Journal et dans Recherches théâtrales au Canada.
Elle est rédactrice en chef de la Canadian Theatre Review. Le projet de recherche sur lequel elle travaille présentement s’intitule « play/PLAY: dramaturgies of participation ».
Jesse Wente est le directeur de la programmation des films du Bell Lightbox du Festival international du film de Toronto (TIFF); à ce titre, il supervise la programmation et le calendrier des nouveautés, des séries et de la Cinématèque du TIFF. Depuis l’ouverture du Bell Lightbox du TIFF en septembre 2010, on doit à Jesse Wente des rétrospectives sur Roman Polanski, Paul Verhoeven, Ousmane Sembène, Oscar Micheaux, le studio Ghibli et Robert Altman. Son premier grand projet de conservation pour le Bell Lightbox a été le programme mémorable First Peoples Cinema: 1500 Nations, One Tradition (Cinéma des premiers peuples : 1500 nations, une tradition) et l’exposition parallèle, Home on Native Land, qui ont eu lieu en 2012. À l’été 2013, il a organisé TOGA! The Reinvention of American Comedy, événement dans le cadre duquel plusieurs des principaux membres de la distribution et de l’équipe de production d’Animal House (connu sous le nom Collège américain au Québec) se sont retrouvés sur scène. Jesse Wente a aussi été co-organisateur de l’extrêmement populaire exposition Stanley Kubrick, dont la première canadienne a eu lieu au Bell Lightbox du TIFF à l’automne 2014. Avant d’être nommé directeur de la programmation des films, Jesse Wente était l’un des programmateurs de longs métrages canadiens du Festival international du film de Toronto, et il a également travaillé à la programmation du « imagineNATIVE Film and Media Festival ». C’est un critique de films et un chroniqueur bien connu, à Toronto et au Canada. Avant de se joindre au personnel du Festival international du film de Toronto, il était collaborateur hebdomadaire à l’émission Metro Morning de la radio anglaise de Radio-Canada (CBC), et il couvrait le cinéma et la culture populaire pour une vingtaine d’autres émissions du réseau. Il a été un invité régulier des éditions du matin et de la fin de semaine de CBC Newsworld, de Q, et de Saturday Night at the Movies sur le réseau TVO.
Kelly Wilhelm est chef de la stratégie du Fonds des médias du Canada. Stratège basée à Ottawa, elle collabore avec des organisations dans les domaines des arts, des médias, de la création et de la philanthropie afin de concevoir, de planifier et de mettre en oeuvre leur évolution. Ancienne dirigeante du secteur public, Kelly apporte à son travail une perspective nationale et détient plus de 20 années d’expérience dans les secteurs gouvernementaux, à but non lucratif et privé.
Kelly a été conseillère principale en politiques auprès du ministre du Patrimoine canadien de 2016 à 18 et était auparavant directrice des politiques, de la planification et de la prospective au Conseil des arts du Canada. Des projets récents comprennent des travaux de stratégie pour le Centre des arts de Banff, le Centre national des Arts, la Ville de Toronto, la Fondation de Toronto et le Musée des beaux-arts du Canada. Kelly est diplômée de l’Université Queen’s et possède une maîtrise en études muséales de l’Université de Toronto.