Musique de chambre 2027

Min-Jeong Koh mène une carrière dynamique de violoniste, altiste et pédagogue. Premier violon du Cecilia String Quartet, elle a remporté des prix lors de prestigieux concours internationaux, notamment le Premier Prix à Banff, le Deuxième Prix à Osaka et le Prix de la Sacem à Bordeaux. Leur enregistrement consacré à Dvořák a été salué pour son « intensité profondément ressentie » (The Strad), tandis que leur disque paru en 2013, consacré à des œuvres de Janáček, Berg et Webern, a été applaudi pour avoir « libéré l’extase et l’angoisse » (Gramophone). L’enregistrement du Quatuor consacré à Felix Mendelssohn a été choisi par Gramophone comme « Editor’s Choice » et figurait parmi ses « Top 10 Mendelssohn Recordings ». Il a également été nommé aux JUNO Awards dans la catégorie du meilleur album classique. Avec l’ensemble, elle s’est produite sur des scènes prestigieuses telles que le Wigmore Hall, le Concertgebouw, le Konzerthaus de Berlin, la Beethoven-Haus, le Rudolfinum de Prague, la Library of Congress, la La Jolla Music Society et Stanford Live, entre autres.

Passionnée par l’enseignement, elle fait partie du corps professoral de la Glenn Gould School et de la Taylor Academy du Royal Conservatory of Music de Toronto. Elle est également cofondatrice de Xenia Concerts, un organisme qui présente partout au Canada des concerts adaptés aux personnes confrontées à des obstacles sociaux et systémiques à l’inclusion. Cet été, elle se réjouit de retourner à Banff, un lieu qui a joué un rôle important dans ses années de formation en tant que musicienne et où elle est par la suite revenue avec le Cecilia String Quartet, à la fois comme participante et comme professeure invitée.

Le compositeur montréalais établi à New York et nommé aux prix JUNO, Haralabos [Harry] Stafylakis, est reconnu pour une musique « rêveuse et pourtant rythmique » (The New York Times), dotée d’une « luminosité terrifiante » et « férocement expressive » (Times Colonist). Sa musique de concert est « un amalgame de la tradition de la musique classique et de l’âme et de la crasse du heavy metal » (I Care If You Listen), « privilégiant les accords apocalyptiques et les rythmes de marteau-piqueur » (The New Yorker).

Stafylakis a collaboré avec des artistes et ensembles tels que Dame Evelyn Glennie, Roomful of Teeth, le JACK Quartet et des orchestres du monde entier. De 2016 à 2026, il a été compositeur en résidence de l’Orchestre symphonique de Winnipeg et commissaire artistique du Winnipeg New Music Festival.

Il a collaboré avec les pionniers du metal progressif Animals As Leaders pour adapter leur musique à une formation réunissant groupe de metal et orchestre. L’album Iguana du Hard Rubber Orchestra, paru en 2022, lui a valu une nomination aux JUNO pour Source Code, sa composition fusionnant metal et big band. L’album Re/String de CC Duo & collectif 9, paru en 2025, lui a valu une troisième nomination aux JUNO pour son concerto pour deux guitares To wake and find the world still burning.

Son album Calibrating Friction, paru en 2023 chez New Amsterdam Records, a été salué tant par les médias spécialisés en metal et rock progressifs que par la presse musicale classique, notamment pour sa fusion profondément intégrée des idiomes du metal et de la musique classique. L’album a été nommé aux prix JUNO 2024 dans la catégorie Album instrumental de l’année.

À l’automne 2026, Stafylakis fera paraître, en collaboration avec la compositrice et chanteuse Courtney Swain, le mini-album (EP) de metal progressif et de musique de chambre dontwaitforme, auquel participent des membres de Bent Knee et de ShoutHouse.

Parmi ses distinctions figurent la Charles Ives Fellowship de l’American Academy of Arts and Letters, le Leonard Bernstein Award de l’ASCAP et le prix du compositeur classique de l’année de la SOCAN. Il est membre fondateur du collectif de compositeurs new-yorkais ICEBERG New Music. Ses œuvres sont enregistrées par New Amsterdam Records, Naxos, Analekta, Leaf Music, Contrastes, Redshift et Sono Luminus.

Stafylakis enseigne la composition et la production à SUNY Purchase, dans l’État de New York. Il fait également partie du corps professoral de l’ICEBERG Institute à Orlando, en Floride, et sera, en 2027, co-responsable du corps professoral du programme de musique de chambre du Banff Centre for Arts and Creativity.

Le Stockholm Chamber Brass a été fondé en 1988 par cinq jeunes musiciens suédois désireux de jouer ensemble de la musique de chambre. La même année, grâce au soutien financier de l’Académie royale suédoise de musique, le SCB décide de se rendre à Narbonne, en France, afin de participer au Concours international de quintettes de cuivres. Le groupe remporte le 1er Prix et entame ainsi une carrière de plus de 35 ans, qui le mènera à devenir l’un des principaux ensembles de cuivres au monde.

Le SCB s’engage à développer un répertoire nouveau et original pour quintette de cuivres et a commandé plus de 50 œuvres. Nombre d’entre elles sont devenues des œuvres originales pour quintette de cuivres parmi les plus jouées à travers le monde.

À ce jour, le SCB a enregistré six CD salués par la critique, comprenant des classiques du répertoire du quintette, une sélection d’œuvres commandées par l’ensemble ainsi que leur plus récent album, THEN, consacré à un ensemble de chansons et de danses de la Renaissance. À propos de l’album CLOCKWORKS, l’American Record Guide écrivait : « Je ne peux imaginer qu’un meilleur quintette de cuivres ait jamais existé. »

Le SCB se produit régulièrement dans le monde entier, notamment dans de grands festivals tels que le Sommer de Bad Kissingen et le Festival du Schleswig-Holstein. Passionnés par la transmission, ses membres donnent régulièrement des classes de maître dans de grands conservatoires de musique et dirigent également leur propre académie, la Stockholm Chamber Brass Academy.

Demarre McGill est un flûtiste renommé, reconnu pour son expressivité lyrique et sa grande maîtrise technique. Lauréat de l’Avery Fisher Career Grant et de la Sphinx Medal of Excellence, il s’est produit comme soliste avec de grands orchestres, notamment les orchestres symphoniques de Philadelphie, de Seattle et de San Francisco. Il occupe actuellement le poste de flûte solo de l’Orchestre symphonique de Seattle.

La saison 2026-2027 de Demarre McGill comprend notamment l’interprétation du double concerto A More Perfect Union de Billy Childs, avec son frère Anthony McGill et le New World Symphony. Parmi les autres temps forts figurent des engagements à Tahoe, Chicago et Cincinnati, ainsi que des concerts avec la Chamber Music Society of Lincoln Center.

Membre fondateur du Myriad Trio et du McGill/McHale Trio, il œuvre en faveur d’une plus grande inclusivité dans le monde de la musique classique. Demarre McGill a étudié au Curtis Institute of Music et à la Juilliard School. Il est également artiste Yamaha.

Né en Corée, Sung-Won Yang est diplômé du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et a été l’assistant de Janos Starker à l’Université de l’Indiana. Il est régulièrement invité à être membre du jury de concours internationaux comme le Concours de musique international (quatuor à cordes) de Banff, le Concours international de violoncelle André Navarra en France, le Concours international de violoncelle Cassado au Japon et le Concours international Ysang Yun  de Tongyeong, en Corée. Il a été fait Chevalier des Arts et des Lettres  par le gouvernement français. Il est présentement professeur de violoncelle à l’École de musique de l’Université Yonsei à Séoul, professeur invité à la Royal Academy of Music (R.-U.) et directeur artistique du Festival Beethoven à Beaune (France) et du Festival « Music In PyeongChang ».

Lauréate d’un prix du Concours international de violon Naumburg et de la Sphinx Medal of Excellence, mise à l’honneur au Smithsonian National Museum of African American History and Culture et désignée « New Yorker of the Year » par le New York Times, Mme Hall-Tompkins est une violoniste soliste et entrepreneure. Elle se produit avec de nombreux orchestres, notamment ceux de Saint-Louis, Baltimore, Dallas et Oakland, sous la direction de chefs tels que Leonard Slatkin, Keith Lockhart et Michael Morgan. Elle a également été artiste en résidence auprès du Cincinnati Symphony Orchestra et de WQXR à New York, et s’est produite à Broadway en tant que « Fiddler » et violoniste soliste dans la production de Fiddler on the Roof, nommée aux Grammy Awards et aux Tony Awards.

Une collaboration avec le compositeur cinq fois récompensé aux Emmy Awards, Jeff Beal, a donné naissance à un nouveau concerto pour violon, Body in Motion, écrit spécialement pour elle. Cette collaboration réunit également le célèbre chef d’orchestre Leonard Slatkin. Kelly Hall-Tompkins et Maestro Slatkin ont interprété la création mondiale à guichets fermés avec le Saint Louis Symphony Orchestra, recevant un accueil critique enthousiaste : « La création mondiale fut un véritable plaisir, même selon les critères élevés des créations mondiales… magistrale… », écrivait Kelly Hall-Tompkins. Kelly Hall-Tompkins et Maestro Slatkin ont également donné la création européenne avec l’Orquesta de Gran Canaria, en Espagne, au printemps dernier.

Première soliste à interpréter le Concerto pour violon de Wynton Marsalis après la dédicataire de l’œuvre, Kelly Hall-Tompkins s’est imposée comme une ardente défenseure de ce concerto, qu’elle a déjà joué à 25 reprises, notamment lors de la première suisse au Festival de Lucerne et dans le cadre d’une tournée aux Pays-Bas.

Première artiste américaine à se produire en Chine après la pandémie, Mme Hall-Tompkins a obtenu un « Rare Talent Visa » chinois afin de se produire comme soliste avec le Shanghai Symphony Orchestra.

Fondatrice de Music Kitchen–Food for the Soul, Kelly Hall-Tompkins est une pionnière de la justice sociale. Elle fait intervenir des artistes de premier plan dans plus de 100 concerts organisés d’un bout à l’autre des États-Unis, notamment dans des refuges pour personnes sans domicile, et a présenté la création mondiale du cycle de mélodies Forgotten Voices en association avec Carnegie Hall.

Mme Hall-Tompkins est également autrice publiée et collaboratrice de l’ouvrage Music and Human Rights, publié par Routledge.

Joe Kelly est membre de l’Orchestre symphonique de Toronto depuis 2018, où il occupe le poste de timbalier principal adjoint et percussionniste de section. Auparavant, il était membre de la section des percussions du New World Symphony à Miami Beach, en Floride. M. Kelly s’est produit avec le Chicago Symphony Orchestra, le Lyric Opera of Chicago, le Los Angeles Philharmonic, le New York Philharmonic, le Seattle Symphony, le Milwaukee Symphony, le Kansas City Symphony, le Malaysia Philharmonic, le Civic Orchestra of Chicago et le Fort Worth Symphony.

Joe est également responsable de la formation des percussionnistes du Toronto Symphony Youth Orchestra et enseigne à l’Université de Toronto.

En 2013 et 2014, M. Kelly a été sélectionné pour intégrer le Tanglewood Music Center Orchestra, où il a interprété des œuvres orchestrales et de musique de chambre et a été soliste dans Multiple Histories d’Evan Antonellis. En 2014, Joe a rejoint la Lucerne Festival Academy et a effectué une tournée en Europe sous la direction de Matthias Pintscher, interprétant des œuvres de Lachenmann, Berio et Pintscher. Lorsqu’il est retourné à Lucerne en 2015 en tant que membre de l’Academy, il a également été invité à se produire comme ancien membre invité au Tanglewood Festival, dans le cadre de son Festival of Contemporary Music.

L’été suivant, Joseph a été invité à devenir le percussionniste soliste du Lucerne Festival Alumni Ensemble. Cette participation comprenait notamment une résidence de l’ensemble dans le cadre d’un atelier pour compositeurs dirigé par Wolfgang Rihm, ainsi que la participation à un important projet de commandes du festival. L’Alumni Ensemble a donné 21 créations mondiales lors de l’édition 2016 du Lucerne Festival.

M. Kelly a obtenu un baccalauréat en interprétation des percussions ainsi qu’une maîtrise en interprétation orchestrale à la Manhattan School of Music, où il a reçu la bourse Elizabeth Beineke Scholarship et le Outreach Award lors de la cérémonie de remise des diplômes de 2015. Il a également obtenu la Kerope Zildjian Concert Percussion Scholarship en 2012.

M. Kelly est titulaire d’un diplôme professionnel en études orchestrales de la Roosevelt University et a été membre du Civic Orchestra of Chicago. Parmi ses anciens professeurs figurent Christopher Lamb, Duncan Patton, She-e Wu, Erik Charlston, Vadim Karpinos et Ed Harrison.

Éric Le Sage est connu comme un représentant notoire de l’école de piano française, caractérisée par sa sonorité très subtile, son vrai sens de la structure et la poésie de son phrasé. Déjà lorsqu’il était âgé d’à peine vingt ans, le Financial Times l’avait décrit comme « un disciple extrêmement cultivé de la grande tradition française du piano de Schumann ». En 2010, Die Zeit a loué son « esthétique pianistique et [sa] clarté françaises idéales ».

Éric Le Sage est invité à jouer comme soliste avec des orchestres du plus haut niveau, comme les orchestres philharmoniques  de Los Angeles, de Brême, de Dresde , de Rotterdam et de Radio France, les orchestres symphoniques de Toronto, de Saint-Louis, de Göteborg, de la SWR, de la NHK et du Queensland, l’Orchestre de Philadelphie, le Konzerthaus Orchester de Berlin, le Royal Scottish National Orchestra, l’Orchestre symphonique Yomiuri  du Japon, l’Orchestre métropolitain de Tokyo, l’Orchestre de chambre de Munich, l’Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine, l’Orchestre Métropolitain (Montréal)  et le Chamber Orchestra of Europe, sous la direction de chefs dont Edo de Waart, Stéphane Denève, Pablo Gonzalez, Fabien Gabel, Jeffrey Tate , François Leleux , Alexander Liebreich, Kazuki Yamada, Alondra de la Parra, Lionel Bringuier, Michael Stern, Leonardo Garcia Alarcon, Simon Rattle et Yannick Nézet-Seguin.

Éric Le Sage a donné des récitals et des concerts de musique de chambre lors de grands festivals et dans des salles prestigieuses du monde, notamment le Wigmore Hall, le Suntory Hall, le Carnegie Hall, la Laeiszhalle de Hambourg, la Philharmonie de Paris, le Théâtre des Champs-Elysées, Radio France, la Philharmonie de Cologne, la Philharmonie d’Essen, la Philharmonie de Dresde, l’Alte Oper de Frankfort, le Concertgebouw d’Amsterdam, la Schubertiade de Schwartzenberg, le Mozarteum de Salzbourg, le Festival de Ludwigsburg, le Rudolfinium de Prague, le Taipei National Concert Hall, le Wiener Konzerthaus, la Philharmonie du Luxembourg, la Dublin’s celebrity series, le Festival international d’Edinburgh, la Tonhalle Düsseldorf, le Festival de la Roque d’Anthéron, Sanssouci à Potsdam, Bozar à Bruxelles, la Boulezsaal à Berlin, le Konzerthaus Berlin et la Philharmonie de Berlin.

Éric Le Sage a enregistré de nombreux albums; tous ont été accueillis avec enthousiasme par la critique et ont gagné de nombreux prix. À part son cycle de Schumann de 2010 — qui est célèbre dans le monde entier et a reçu le très prestigieux Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik (prix annuel de la critique allemande) — ses enregistrements notoires sont l’intégrale de la musique de chambre avec piano de Francis Poulenc (BMG, 1998), l’intégrale de la musique de chambre avec piano de Fauré (Alpha 228 ), et l’intégrale de la musique de chambre de Brahms (B-Records, 2021).

Deux albums magnifiques sont sortis en 2022 : Un album de musique de Mozart (les concertos n° 17 et 24) sous la direction du chef François Leleux — avec qui il partage la scène depuis longtemps — et l’Orchestre symphonique de Gävle, sur étiquette Alpha, et un album solo de Sony Classical présentant du répertoire français rarement joué du début du XXe siècle. Au cours des dernières années, Éric Le Sage a enregistré l’ensemble des nocturnes de Fauré sur étiquette Alpha (2019) et les trois dernières sonates de Beethoven (2014). Au nombre de ses enregistrements de musique de chambre figurent des collaborations avec des artistes comme le ténor Julian Prégardien (album de musique de Schumann en 2019), Emmanuel Pahud, Paul Meyer, Daishin Kashimoto et Aurélien Pascal, entre autres, axées sur le répertoire de Vienne autour des années 1900 et la musique de Nino Rota.

Vraiment passionné de musique de chambre, Éric Le Sage joue régulièrement avec des amis, dont Emmanuel Pahud, Paul Meyer, les membres du  Quatuor Ébène et des Vents Français, François Leleux, Jean-Guihen Queyras, François Salque, Lise Berthaud, Daishin Kashimoto, Claudio Bohorquez, Julian Prégardien, Sandrine Piau, Olivier Latry, et bien d’autres encore.

Né à Aix en Provence, Éric Le Sage a été lauréat d’importants concours de musique internationaux, dont celui de Porto en 1985 et le Concourt Robert Schumann à Zwickau, en 1989. Il avait également gagné un prix au Concours international de piano de Leeds la même année, ce qui lui a permis de jouer sous la baguette du grand chef Simon Rattle. Éric Le Sage est professeur à la Hochschule für Musik à Fribourg, en Allemagne.
 

Paul Meyer s’est fait connaître en 1982 en gagnant le prestigieux Concours Eurovision; il avait à peine 17 ans. Il a obtenu le poste de clarinette solo à l’Orchestre de l’Opéra de Lyon en 1983, à l’Ensemble Intercontemporain en 1984, et à l’Opéra de Paris en 1985. Très peu de temps après, il a quitté l’orchestre pour faire une carrière  de soliste, se produisant sur les plus importantes scènes du monde avec des orchestres de renommée internationale (l’Orchestre National de 

France, l’Orchestre de Paris, le Koninklijk, l’Orchestre du Concertgebouw, l’Orchestre philharmonique de la BBC, le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, l’Orchestre symphonique de la WDR de Cologne, l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, le Tonhalle-Orchester Zürich, l’Orchestre de la Suisse Romande, le NHK Tokyo, l’Orchestre symphonique de l’État russe, etc.), et aux côtés des meilleurs musiciens, notamment Benny Goodman, Isaac Stern, Mstislav Rostropovitch, Jean-Pierre Rampal, Martha Argerich, Yuri Bashmet, Gidon Kremer, Yehudi Menuhin, Yo-Yo Ma et Emmanuel Ax.

Passionné de musique de chambre, il a fondé l’ensemble Les Vents Français  et est cofondateur, avec Éric Le Sage et Emmanuel Pahud, du Festival International de Musique de Salon de Provence.

Pour ses contributions aux arts en France et dans le monde, Paul Meyer a été nommé Commandeur des Arts et des Lettres,  la plus haute distinction culturelle en France.

 

Reconnue pour sa « sonorité riche et profonde ainsi que pour sa virtuosité et son enthousiasme exceptionnel » (The Strad), l’altiste Marina Thibeault investit la scène musicale d’une ferveur chaque fois renouvelée, que ce soit comme chambriste, concertiste ou soliste. Convaincue que l’on doit « tout subir, tout éprouver, affronter tous les obstacles, toutes les contradictions » (Pierre Perrault), elle vogue à travers les eaux parfois tumultueuses d’un répertoire musical savamment choisi, abordant les œuvres anciennes et nouvelles avec le même engagement. Dans sa démarche musicale, elle remet constamment en question la place traditionnelle de l’interprète afin d’incarner une attitude poétique ainsi qu’une quête de dépassement de soi, physique et spirituel.

Marina Thibeault joue sur un alto anglais fait par Gordon Kerr (2020) et elle tient à remercier le donateur anonyme de l’instrument.
 

Alex Clark is a composer, arranger, and creative producer whose work bridges orchestral tradition, digital media, and interdisciplinary collaboration. Drawing on a background in composition, conducting, and multi-instrumental performance, Alex creates music that moves fluidly between concert hall and studio, blending acoustic craft with contemporary production. 
 

Through Aseosa Productions, he develops original works and arrangements for orchestras, chamber groups, and cross-disciplinary projects, often integrating technology and visual elements to expand the concert experience. His career has evolved from orchestral librarianship into a broader creative practice encompassing concert design, digital performance, and new music development. Alex’s recent work focuses on immersive, collaborative approaches to composition 
that invite dialogue between artists, audiences, and environments.