Fuse : Résidence musicale 2027

Violinist/violist Miranda Cuckson delights audiences with her performances of music ranging from older eras to the newest creations. She has played innumerable concerts and premieres of new music and played a major role in bringing new creations more to the center of cultural life. Praised recently for “a rare style that fuse[s] precision and elegance with passionate intensity and successful risk-taking” [Berkshire Edge], she loves bringing musical experiences to venues large and small, from concert halls to casual spaces.  Engaging with many musical avenues (including those of Western classical traditions and American music), she has pursued a personal path motivated by sincere interest, innovation, and exploration, the expression of any human feelings and experiences, and the realization of virtuosity, craft, and invention.

Miranda premiered Georg Friedrich Haas’ Violin Concerto No. 2 in four countries and made her solo debut at the Vienna Musikverein with this piece in 2023, with the Vienna Radio Symphony and conductor Markus Poschner. The live recording was released in 2025 on the Urlicht AV label to great acclaim, as was her live performance of the Ligeti Violin Concerto with the UC Davis Orchestra, on Centaur Records.

She is a featured soloist at many festivals internationally, including Wien Modern, Grafenegg, Lincoln Center, Ojai, Le GuessWho, West Cork, Bard, Frequency, Time Spans, and Sinus Ton, and by such presenters as St. Paul’s Liquid Music, 92NY, Miller Theatre, Tokyo’s Suntory Hall, Mexico City’s Palacio de Bellas Artes, the Teatro Colón in Buenos Aires, the Library of Congress, and the Cleveland Museum. She recently gave recitals at San Francisco Performances, Boston’s Gardner Museum, and the Detroit Institute of Art.

Her current projects include new violin concertos by Jeffrey Mumford and Dongryul Lee; “Limin”,a concert-length duo by/with pianist Stewart Goodyear, to be released on Avie Records; a collaboration with harpist Parker Ramsay including a new duo by Haas; a work for solo violin and choir by Rene Hirschfeld; and upcoming solo performances at the Mito International Festival in Japan.

Her recordings include “Világ” featuring the Bartók Solo Sonata and folk-flavored compositions; the Korngold, Ponce, and Piston concertos; an ECM Records album of duos by Bartok, Schnittke, and Lutoslawski; the Grammy-nominated “Songs and Structures” by Harold Meltzer; Michael Hersch’s “the wreckage of flowers”; several albums of 20th-century American music; and “Melting the darkness”, a forward-looking compilation of microtonal/electronic music. Her album, with Christopher Burns, of Luigi Nono’s “La lontananza nostalgica utopica futura” was named a Recording of the Year by the New York Times.

Passionate about all the arts, Miranda is a core member of the American Modern Opera Company (AMOC*), an interdisciplinary collective of dancers, singers, and instrumentalists that has been featured at the Lincoln Center and Ojai Festivals. She is the founder of non-profit Nunc, a programming and concert-producing organization.

Dedicated to education, Miranda teaches violin and chamber music at the Mannes School of Music/New School University. She frequently writes and speaks to audiences about music and she earned her doctorate from The Juilliard School.
 

Pianist Conor Hanick is regarded as one of his generation’s most inquisitive interpreters of music new and old whose “technical refinement, color, crispness and wondrous variety of articulation benefit works by any master.” (New York Times) Hanick has worked with conductors Esa-Pekka Salonen, Ludovic Morlot, Alan Gilbert, and David Robertson; collaborated with the San Francisco Symphony, Seattle Symphony, Phoenix Symphony, Alabama Symphony, Orchestra Iowa, Boston Modern Orchestra Project, Juilliard Orchestra; and been presented by the Gilmore Festival, New York Philharmonic, Elbphilharmonie, De Singel, Centre Pompidou, Cal Performances, Philadelphia Chamber Music Society, Park Avenue Armory, and the Ojai Festival, where in 2022 with AMOC* (American Modern Opera Company) he served as the festival’s artistic director and where in 2026 he’ll be a featured artist under director Esa-Pekka Salonen. 

A fierce advocate for the music of today, Hanick has premiered over 200 pieces and collaborated with composers ranging from Pierre Boulez, Kaija Saariaho, and Steve Reich, to the leading composers of his generation, including Nico Muhly, Caroline Shaw, Tyshawn Sorey, Marcos Balter, and Samuel Carl Adams, whose piano concerto, No Such Spring, he premiered in 2023 with Salonen and the San Francisco Symphony. This season Hanick presents solo and chamber recitals in the US, Europe, and Australia, including concerts presented by Cal Performances, the Phillips Collection, Galliard Center, Metropolitan Museum of Art, and others. He appears with the Seattle Symphony, San Diego Symphony, and will be a resident artist with the Australian Chamber Orchestra in their Currents Festival.

Hanick is the director of Solo Piano at the Music Academy of the West and serves on the faculty of The Juilliard School, the CUNY Graduate Center, and Mannes College at The New School. He is a graduate of the Juilliard School and lives with his family in the Hudson Valley.

L’aventure, l’interdisciplinarité et, surtout, un regard critique sur le monde d’aujourd’hui — souvent à travers l’utilisation de nouvelles technologies — sont au cœur des principes qui guident le Nadar Ensemble. L’ensemble tire son nom et son esprit de Gaspard-Félix « Nadar » Tournachon (1820–1910), célèbre photographe, caricaturiste, espion et critique d’art. Nadar était également connu pour organiser des « salons » informels réunissant artistes, penseurs, écrivains et scientifiques. Il était aussi un célèbre aérostier : en 1864, il s’envola de Bruxelles à bord de son ballon, « Le Géant », donnant lieu à un spectacle populaire de grande ampleur à l’époque et à l’origine du nom donné aux clôtures qui entouraient le site.

Nadar s’est produit notamment aux Darmstadt International Ferienkurse für Neue Musik, aux Donaueschinger Musiktage, à Ultima Oslo, à Musica Strasbourg, à Platforma Moscow, à la Haus der Berliner Festspiele, au Holland Festival, à San Martin Buenos Aires, à reMusik Saint Petersburg, à la Tampere Biennale, à Wien Modern, au Gogolfest Kiev, à la Cité de la musique Paris, à l’Université Harvard de Boston, à MaerzMusik Berlin, à Warsaw Autumn, et dans bien d’autres lieux et festivals.

Nadar est artiste en résidence à DE SINGEL à Anvers et entretient également des liens étroits avec le Concertgebouw Bruges, le Muziekcentrum De Bijloke Gent, le CC Sint-Niklaas et le Transit Festival Leuven. Nadar est basé à Sint-Niklaas, où il organise chaque année sa Summer Academy. Incidemment, cette ville est également célèbre pour son festival annuel de… montgolfières.

Cliquez ici pour visionner une vidéo du travail de Nadar.

Le quatuor montréalais ARCHITEK PERCUSSION crée des expériences artistiques qui divertissent, captivent et interpellent le public. Fondé en 2012 par des membres de la classe de percussions de l'Université McGill, Architek interprète aussi bien le répertoire classique pour quatuor qu'explore de nouveaux horizons par le biais de commandes et de créations, utilisant souvent des batteries d'instruments qui dépassent largement l'arsenal traditionnel des percussions. Architek se produit régulièrement à Montréal, ayant collaboré avec Codes d'Accès, Innovations en Concert, Le Vivier, Suoni per Il Popolo, Montréal/Nouvelles Musiques, l'Orchestre Symphonique de Montréal, le Musée des beaux-arts de Montréal, le Musée Pointe-à-Callière et le Centre interdisciplinaire de recherche en musique, médias et technologies (CIRMMT). De plus, le quatuor a collaboré souvent avec le programme CAM En Tournée du Conseil des arts de Montréal, qui présente une programmation gratuite et accessible dans les 19 arrondissements et 15 municipalités autonomes de l'île de Montréal.  

Architek donne régulièrement des concerts et des activités de médiation partout au Canada, en collaboration avec New Music Edmonton, le Winnipeg New Music Festival, le Cluster Festival of Music and Integrated Art (Winnipeg), les Jeunesses Musicales Canada, Debut Atlantic, le Festival de musique de chambre d'Ottawa, Music on Main (Vancouver), le University of Toronto New Music Festival, The Music Gallery (Toronto), New Music Concerts (Toronto), le Scotia Festival of Music (Halifax) ainsi que multiples départements de la musique universitaires du postsecondaires du Canada. Architek a effectué des tournées internationales en Europe, en collaboration avec le Festival Ultima (Oslo), NyMusikk Bergen, NTNU (Trondheim), Fylkingen (Stockholm), les universités de Glasgow et de Huddersfield (Royaume-Uni), le Rainy Days Festival (Luxembourg) et le Royal College of Music (Stockholm). 

Architek a commandé et/ou créé plus de 60 œuvres de composit.eur.rice.s. Plusieurs de ces commandes ont donné lieu à des projets d'enregistrement, dont Architek figure sur huit d'entre eux : Bookburners (Nicole Lizée / Centrediscs, 2014), A Boat Upon its Blood (Jason Sharp / Constellation Records, 2016), Metatron (Eliot Britton / Ambiances Magnétiques, 2017), Katana of Choice (Ben Reimer / Redshift Records, 2017), The Privacy of Domestic Life (Architek Percussion / Centrediscs, 2018), Six Changes (Architek Percussion 2022), Call Sign (Architek Percussion, 2022) et Apparitions vol. I (Olivier Alary / Line Imprints, 2023). La diverse production artistique d'Architek est guidée par la conviction du quatuor que, dans un contexte approprié, chaque membre du public devrait se sentir accueilli, inclus et interpellé. Architek Percussion est Noam Bierstone, Ben Duinker, Alexander Haupt et Alessandro Valiante

Image by Julianna Schutz

Après avoir échoué à devenir le premier basketteur belge à évoluer en NBA, Pieter Matthynssens a plutôt obtenu un diplôme en histoire de l’art à l’Université de Gand, où il garde de précieux souvenirs des cours de Gerard Mortier et de son amour pour l’œuvre de Stanley Kubrick. Le commissaire Stef Van Bellingen lui a fait découvrir le monde de l’art et a joué un rôle déterminant dans sa vision de l’art.

Cependant, pour éviter une crise de la quarantaine, il s’est ensuite mis à étudier le violoncelle au conservatoire de Gand. Jouer du violoncelle ne le satisfaisait pourtant pas complètement, ce qui l’a amené à explorer les possibilités esthétiques d’une pédale whammy (Steen-Andersen), des ballons (Maierhof), ainsi que des perruques et des gants (Marino). Cela ne suffisait toujours pas — à bien y réfléchir, qu’est-ce que ce type cherche donc, au juste?!

Il dirige un orchestre amateur à Sint-Niklaas, sa ville natale. Avec ces merveilleux musiciens, il a créé des œuvres de Vladimir Gorlinsky, Jorge Sánchez-Chiong et Shalan Alhamwy, et interprété des œuvres d’Iannis Xenakis, Dmitri Kourliandsky, Sofia Gubaidulina, Lars Petter-Hagen, Luc Brewaeys… Avec son complice de violoncelle Benjamin Glorieux, il a interprété le Concerto pour violoncelle de Friedrich Gulda. Tous deux ont eu l’honneur de partager la scène avec la légendaire actrice Viviane De Muynck et l’acteur Johan Leysen.

Comme le violoncelle impose certaines limites sur le plan linguistique, il donne également régulièrement des conférences et débat avec passion de musique et d’art avec Stefan Prins au sein du conseil artistique de Nadar, son ensemble musical préféré. En tant que professeur invité, il enseigne au Conservatoire royal d’Anvers. Si cela est possible, il aimerait mourir (très vieux, bien sûr) à Vienne.

La raison pour laquelle Dries Tack a commencé à jouer de la clarinette reste un mystère. Peut-être était-ce le fruit des efforts de ses parents pour le faire sortir de la rue. Quoi qu’il en soit, Dries a finalement entrepris ses études dans les conservatoires de Bruxelles, d’Anvers et de Tilburg.

Sa fascination pour le bruit et le plaisir de partager des idées avec les autres l’ont guidé vers sa passion pour la musique de chambre dans le domaine de la musique expérimentale contemporaine et du théâtre musical.

En tant que clarinettiste et interprète d’objets, il aime jouer avec l’Ensemble Nadar, les Curious Chamber Players et le trio Lambda. Dries est également l’un des membres principaux du collectif de musique de chambre « Glow ».

En tant qu’enseignant passionné, il donne cours dans les académies de musique de Vilvorde, Schaerbeek et Grimbergen.

Pour le moment, Dries adore courir et essaie de faire son propre pain. Pour l’instant, il n’est pas encore comestible.

Comme toutes sortes de sons stimulent son imagination, Katrien est constamment à la recherche de nouveaux univers sonores, que ce soit à travers la musique contemporaine ou la musique ancienne jouée sur instruments d’époque.

Katrien a étudié la flûte et la flûte baroque à Gand, Bruxelles et Strasbourg, auprès des maestros Carlos Bruneel et Mario Caroli. Au cours de ses études, elle a été inspirée par des classes de maître et des cours d’été tels que la Lucerne Festival Academy avec Pierre Boulez, l’Ictus Studio et le Centre Acanthes à Metz.

Elle est membre fondatrice du Nadar Ensemble et codirectrice artistique de Glow Collective. Elle partage également sa passion pour ses instruments en enseignant la flûte et la flûte baroque.

Ayant grandi au bord de la mer, elle adore les longues promenades sur la plage et affronter les vagues. La respiration est aussi importante lorsqu’elle joue de la flûte que sur son tapis de yoga, qu’elle pratique de manière irrégulière, tout en étant coach en respiration. Elle n’oublie jamais de rappeler à ses amis de continuer à respirer.

Wannes Gonnissen est le coordinateur technique du Nadar Ensemble et fait partie de l’ensemble depuis 2012. Les soirs de concert, le son demeure sa principale responsabilité, mais les plus attentifs le verront souvent s’occuper également de l’éclairage, de la vidéo et de l’électronique en direct.

Adolescent dans les années 1990, il a commencé à expérimenter avec la musique à l’aide d’un simple enregistreur cassette 4 pistes, s’enregistrant lui-même comme un homme-orchestre sur plusieurs instruments. Cette curiosité a fini par prendre une forme plus structurée au Conservatoire de Gand, où il a étudié la production musicale. Quelques années plus tard, alors qu’il combinait déjà le son en direct et le travail en studio, il a croisé la route de Nadar : après un enregistrement avec quelques membres de l’ensemble, ceux-ci l’ont invité à jouer pour ce qui devait être un concert unique. Il n’est finalement jamais vraiment reparti.

En dehors de Nadar, Wannes continue de mixer des groupes dans les univers de la pop et du rock, et il insistera sur le fait qu’il ne voit pas grande différence entre ces musiques et la musique classique contemporaine — pour lui, tout n’est finalement qu’une question de son. Chez lui, on le trouve souvent à écumer Internet à la recherche de matériel vintage intéressant, de préférence défectueux, afin d’avoir une bonne excuse pour le démonter sur son établi. Parfois, il parvient même à le remonter correctement.

Keir GoGwilt is a violinist and composer whose work often interfaces with material histories of performance, especially regarding string playing, acoustics/tuning, and Baroque aesthetics. Recent projects include The Zarabanda Variations (Carrier Records / [Name] Publications / Wesleyan University Press) - a collection of songs, dances and poems reflecting Baroque histories and futurisms of New Spain, and described as “a thrillingly original dive into colonial history” (The Guardian) which "ping-pongs between eras and iterations with almost hallucinogenic vitality” (Bandcamp). He continues to tour his album with Ruckus Early Music, “The Edinburgh Rollick,” comprised of music from the Neil Gow collections, and featured in Joel Coen’s forthcoming film, Jack of Spades. In recent seasons, GoGwilt has been composer-in-residence with the JACK Quartet, a resident fellow at the Copland House, and a commission grantee of the Barlow Foundation (writing a piece for the Bergamot Quartet and harpist Jacqueline Kerrod). A founding member of the American Modern Opera Company (AMOC), he has long worked in the space of collaboratively-devised and interdisciplinary productions. As a violinist he has soloed with groups including the Basel Sinfonieorchester, Orchestra of St. Luke's, Philharmonia Baroque Orchestra, Chinese National Symphony, Orquesta Filarmonica de Santiago, and the Boston Modern Orchestra Project. He received his PhD in Music (Integrative Studies) at UCSD, where he was awarded the Chancellor's Dissertation Medal for his work on an aesthetic history of string pedagogy. His work is published in the Bach Journal and Current Musicology among others.

Photo by Peter Gannushkin

Krystina Marcoux est une artiste et percussionniste reconnue pour son énergie flamboyante, sa précision musicale et son engagement envers la création interdisciplinaire. Après sept années d'étude en France auprès de Jean Geoffroy, elle forge une vision de la scène comme espace créatif malléable. Son intense exploration du marimba, notamment à travers l'œuvre de Bach, devient la signature de son langage artistique, où elle conjugue la rigueur classique à l'exploration contemporaine, to jours ancrée dans ses fondations musicales qu'elle affine constamment. En 2012, elle remporte le premier prix du Concours Standard Life de l'OSM et elle fait ses débuts comme soliste avec l'OSM en 2019 sous la direction de Kent Nagano. En 2021, elle devient la première marimbiste à se produire au prestigieux Festival Bach de Montréal et en 2024 elle est invitée comme soliste pour le concerto percussions de Christos Hatzis à Madrid, en Espagne.

Sa thèse de doctorat (CNSMD Lyon) porte sur les méthodes de création de spectacles interdisciplinaires. Son travail postdoctoral à l'UQAM explore une approche où les interprètes endossent le rôle de créateur et abolissent les hiérarchies traditionnelles des arts de la scène, une conviction qui irrigue toute son œuvre. Ayant participé à des festivals comme Avignon, elle a écrit et mis en scène une douzaine de spectacles, dont Bavela (150+ représentations sur trois continents) et Speak No Words (2026), créé en collaboration avec le compositeur Philippe Macnab-Séguin.

Avec le violoncelliste Juan Sebastian Delgado, elle forme Stick&Bow, un duo singulier et audacieux connu pour ses arrangements inventifs et ses concerts mis en scène. Le duo remporte le Prix Opus 2024 dans les catégories « Artiste de l'année » et « Rayonnement international ». Leurs quatre albums obtiennent une reconnaissance mondiale, avec des tournées en Argentine, au Mexique, en Arménie, aux États-Unis, en France et ailleurs. Ils collaborent régulièrement avec des artistes de renommée internationale, dont un projet à venir avec le DJ Philippe Cohen Solal (Gotan Project). 

Comme percussionniste et membre du comité artistique de Paramirabo, elle contribue à cet ensemble de référence qui repousse les frontières de la création contemporaine canadienne. Cofondatrice du collectif montréalais Angle Mort, elle continue d'explorer les croisements entre musique, geste, technologie et d'autres disciplines artistiques, un espace où les hiérarchies créatives s'effacent.

Artiste en résidence auprès de Jeunesses Musicales du Canada (2026-27), elle créera trois nouveaux programmes centrés autour du marimba. Elle sera aussi artiste invitée à Pasic Québec 2027 et interviendra comme spécialiste interdisciplinaire au Centre d’art de Banff pour Fuse 2.0 (avril 2027). Elle intègre sa pratique créative à la pédagogie : elle enseigne un séminaire doctoral à l'UQAM sur la « Création interdisciplinaire comme moteur social », et collabore avec LeVivier pour animer des ateliers où le corps devient outil artistique pour les musiciens. Ses coaching à la Orford Musique et son enseignement aux Conservatoires du Québec lui permettent de transmettre une philosophie nourrie par ses multiples apprentissages : sa formation en théâtre, danse et jeu clownesque, ainsi que six années de performances dans les festivals de rue avec BAM à travers l'Europe, l'ont convaincue que la musique dialogue intrinsèquement avec la scène, le corps et les autres disciplines, une vision qu'elle souhaite transmettre à la relève

Photo by Brenden Friesen

Jessie Maryon Davies est une véritable dynamiseuse de la vie musicale. En 2018, elle a reçu le prix « Unsung Hero » décerné par Time Out, en reconnaissance de son travail pour créer du lien au sein des communautés par la musique. Elle se produit régulièrement comme pianiste, aussi bien dans des contextes classiques que pop (Kate Nash, Ren Harvieu, Tone). Elle dirige des projets de création musicale dans des écoles et auprès de groupes communautaires partout au Royaume-Uni, et a dirigé des chœurs d’enfants en Palestine et en Inde.

Jessie est directrice musicale du chœur pop Lips, inclusif à l’égard des personnes trans et composé de femmes, qui s’est produit au Royal Festival Hall, au Royal Albert Hall et en direct à la télévision sur la BBC. En 2015, elle a cofondé l’association primée Spark the Noise, dont l’objectif est de renforcer l’estime de soi et la confiance des jeunes filles ainsi que des jeunes trans et non binaires à Londres.

En tant que compositrice, elle se spécialise dans la création collaborative et a écrit de la musique pour l’English National Opera, le Wigmore Hall, la City of London Sinfonia, Britten Pears Arts et Hightide Theatre. En 2026, elle a composé la musique et écrit les paroles de Mrs Armitage, une comédie musicale pour enfants adaptée pour la scène du célèbre classique de Quentin Blake (Southbank Centre, Edinburgh Fringe).

Passionnée par le pouvoir unique de la musique de renforcer les communautés et favoriser le développement personnel, Jessie intervient régulièrement sur ces sujets. Elle a notamment pris la parole en direct à la radio de la BBC, donné une conférence TEDx et animé des tables rondes au Southbank Centre et au Serious Festival.

Elle forme et accompagne de jeunes musiciens professionnels au Wigmore Hall et à la Royal Academy of Music, où elle a récemment reçu le titre honorifique d’Associate.