The Application and Payment systems will be closed from December 19 - January 5 during the Institutional Holiday Closure. SlideRoom (Step 3) will remain open for portfolio submissions.
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Conan & Khai, Banff Musicians in Residence 2024. Photo by Rita Taylor
Fuse est une résidence destinée aux esprits curieux qui souhaitent élargir leur pratique artistique. Soutenu par des mentors collaboratifs et un environnement qui encourage le jeu créatif, ce programme incite les musiciens et les ensembles à expérimenter, créer, rechercher et s’épanouir dans le cadre montagneux incomparable du Banff Centre.
Les artistes collaboreront à un projet à grande échelle tout en ayant la possibilité de former des ensembles plus petits afin d’explorer d’autres formes d’expression artistique.
Nous invitons les musiciens, les chanteurs, les conducteurs et les créateurs d’expérience de concert travaillant dans les domaines de la musique classique, Jazz, techno, et d’autres domaines connexes à faire la demande de résidence.
Les candidats peuvent choisir de proposer un projet existant afin de le développer grâce à de nouvelles perspectives et à une énergie collaborative, bien qu’un projet ne soit pas une condition d’acceptation.
Fuse met à disposition l’espace pour la pratique artistique et donne la possibilité de consacrer du temps aux impulsions créatives pour donner naissance à de nouvelles expressions. Élargissez votre vision artistique, renforcez votre confiance créative et faites progresser votre carrière grâce à :
Ce programme s’adresse aux musiciens, chefs d’orchestre, compositeurs et directeurs artistiques travaillant dans le domaine de la musique classique, jazz ou techno.
Les candidats doivent être âgés de 18 ans ou plus le premier jour du programme.
Les candidatures nationales et internationales sont les bienvenues
Information sur l’admissibilité en ce qui concerne les visas :
Nous invitons les candidats (autochtones) de tous âges (18 ans et plus) — quels que soient leurs origines, leur parcours, leur identité de genre ou l’expression de celle-ci — à présenter une demande. Les artistes provenant de groupes habituellement sous-représentés par le passé et de groupes méritant l’équité sont vivement encouragés à poser leur candidature.
Arrivées : dimanche 12 avril
Début du programme : lundi 13 avril
Réception de bienvenue : lundi 13 avril
Performances publiques
Partage de grands projets : samedi 2 mai au Théâtre Jenny Belzberg
Des opportunités supplémentaires de performances et de partage peuvent être disponibles.
Concerts de l'Orchestre de chambre australien
Samedi 25 avril au Théâtre Jenny Belzberg
Dimanche 26 avril à CLVB'33
Réception de clôture : 2 mai 2026*Toutes les dates sont sujettes à changement.
John de Lancie est un acteur, réalisateur, producteur, écrivain, éducateur, marin, doubleur et comédien, surtout connu pour son interprétation emblématique du personnage omnipotent Q dans plusieurs séries Star Trek, notamment The Next Generation, Deep Space Nine, Voyager, Lower Decks, Picard et Strange New Worlds. Il a également incarné Q dans Star Trek : The Game Show et Star Trek: Borg, coécrit le roman I, Q avec Peter David, et narré plusieurs adaptations audio de Star Trek, notamment Q-in-Law (avec Majel Barrett Roddenberry) et Dark Mirror. En dehors de Star Trek, de Lancie est largement reconnu pour avoir prêté sa voix à Discord, un personnage inspiré de Q, dans My Little Pony : Friendship Is Magic (2010–2019).
À la télévision, il a notamment interprété les rôles récurrents du colonel Frank Simmons dans Stargate SG-1 (1997-2007), de Donald Margolis dans Breaking Bad (2008-2013) et de Donald Finley dans l’épisode « The Gun » de la série revival. En 1996, il a cofondé Alien Voices avec Leonard Nimoy et Nat Segaloff et produit une série de dramatiques audio de science-fiction, dont les enregistrements populaires Spock vs. Q, ainsi que des émissions spéciales télévisées pour la chaîne Sci-Fi Channel. Il s’est également produit dans des concerts, coanimant Star Trek : The Music avec Robert Picardo en 2008 et 2010, célébrant la musique de toutes les époques de la franchise.
“The Australian Chamber Orchestra is uniformly high-octane, arresting and never ordinary.”
The Australian
The Australian Chamber Orchestra lives and breathes music, making waves around the world for its explosive performances that redefine orchestral music. With their fearless leader of 35 years, Artistic Director Richard Tognetti, in 2025 the Orchestra celebrates 50 years of invention, disruption and unforgettable music-making.
The ACO performs more than 100 concerts each year, with programs that embrace celebrated classics alongside new commissions and ground-breaking collaborations, working with artists and musicians who share their ideology: from Emmanuel Pahud, Steven Isserlis, Patricia Kopatchinskaja, Pekka Kuusisto, Nicolas Altstaedt and William Barton, to Jonny Greenwood, Neil Finn and Meow Meow; to visual artists and film makers such as Bill Henson, Shaun Tan, Jane Campion, and Jennifer Peedom, who co-create unique, hybrid productions for which the ACO has become renowned.
The ACO has its own streaming platform, ACO On Demand, which hosts the Orchestra’s award-winning cinematic concert films, ACO StudioCasts, alongside live concert streams. The Orchestra also has an active recording program. Its recordings of Bach’s violin works won three consecutive ARIA Awards. Recent releases include Water | Night Music, the first Australian-produced classical vinyl for two decades, Beethoven 1, 2, & 3 Eroica and ARIA award-winning albums River and Indies & Idols.
In 2022 the ACO opened a new, world class venue, ACO On The Pier, continuing their dedication to creating and presenting transformative experiences for all music lovers.
Communicateur passionné, Daniel apporte clarté et sens à la salle de concert, favorisant ainsi des liens profonds entre le public et les artistes. Daniel Bartholomew-Poyser est à la fois chef principal des jeunes musiciens et partenaire créatif de l’Orchestre du Centre national des Arts, chef principal chargé de l’éducation et ambassadeur communautaire de l’Orchestre symphonique de Toronto, artiste en résidence et ambassadeur communautaire de Symphony Nova Scotia, et chef résident chargé de l’engagement et de l’éducation de l’Orchestre symphonique de San Francisco.
Il a été chef d’orchestre adjoint de l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo et chef d’orchestre associé de l’Orchestre symphonique de Thunder Bay. Daniel s’est produit avec l’Orchestre symphonique de Vancouver, l’Orchestre symphonique d’Edmonton, l’Orchestre philharmonique de Calgary et a été chef d’orchestre suppléant à l’Opéra national de Washington en 2020.
Au cours de la saison 2021, Daniel fera ses débuts avec le Carnegie Hall Link-Up Orchestra, l’Orchestre symphonique de Detroit, l’Orchestre symphonique de Regina, l’Orchestre symphonique de l’Île-du-Prince-Édouard et la Compagnie d’opéra canadienne.
Daniel est l’animateur de l’émission radiophonique hebdomadaire Centre stage, diffusée à l’échelle nationale par la Canadian Broadcasting Company.
Il a également été le sujet d’un documentaire primé de la Canadian Broadcasting Corporation intitulé Disruptor Conductor, qui mettait l’accent sur ses concerts destinés aux populations neuroatypique, carcérales, issues de la diaspora africaine et aux populations LGBTQ2S+.
Daniel a obtenu son baccalauréat en interprétation musicale et en éducation musicale à l’Université de Calgary, ainsi qu’une maîtrise en interprétation musicale au Royal Northern College of Music de Manchester, en Angleterre.
Keaton est un acrobate multidisciplinaire et un artiste de théâtre physique dont le travail l’a conduit à travers le monde entier. Ils se sont produits avec des compagnies renommées telles que C!RCA, Water For Elephants à Broadway et 7 Fingers. Élevé dans le cirque, Keaton a très tôt développé un amour pour le chaos, la communauté et la liberté créative qui prospère dans la création artistique collaborative. Quand il n’est pas sur scène, Keaton passe souvent son temps à la poterie, joyeusement couvert d’argile, comme si la boue était son état naturel. Keaton exprime son amour profond et sa gratitude envers sa famille, Jessica, Mike, Terry, Mary, Eliana, Wyndon, Kellin, Daniel et Caroline. Sans leur soutien indéfectible, Keaton plaisante en disant qu’ils seraient encore enlisés dans la boue... littéralement.
Bridie Hooper est une artiste et créatrice australienne primée qui défend le cirque dans des contextes multidisciplinaires et contemporains.
Son travail révèle des perspectives multiples sur l’espoir, la connexion, la catharsis et la mortalité, abordant des thèmes universels à travers des œuvres profondément personnelles qui remettent en question la forme, le contexte et la relation entre l’artiste et le public. À la croisée des rituels, de l’endurance et du potentiel du corps, ses performances affirment et célèbrent la complexité de la psyché humaine.
La pratique artistique de Bridie est centrée sur le cirque et la performance physique, mais elle accorde une grande importance à la collaboration avec d’autres disciplines telles que l’art sonore, les arts visuels, le théâtre et la performance participative afin d’élargir, de remettre en question et de redéfinir son travail. Ces activités reposent sur une volonté commune de trouver de nouvelles façons de créer des expériences artistiques transformatrices pour le public dans les théâtres, les galeries et les espaces publics.
Image by Billie Wilson Coffey
Isabella Luisa Diaz is the co-director of Company 29, a contemporary circus collective. They were born in Chicago, Illinois where from a young age, they found a joy for movement and a hankering for heights. They spent their youth competing in gymnastics and studying dance, continuing on at Western Michigan University and the Joffrey Ballet School. In 2016 they joined Pilobolus Dance Theatre as a part of their main company and toured around the world for 4 years. In 2021, they began working with The 7 Fingers contemporary circus and was part of the creation for the show ‘Dear San Francisco’ and the Broadway musical ‘Water for Elephants’. They have held various roles with US-based circuses such as Shoestring Circus and Midnight Circus, including acrobat, musician, guest director, and co-composer. Isabella is a collector of hobbies, lover of books and a fiend for a good fun fact. They are very excited to be working with the Fuse team at the Banff centre this season.
Artist based in Lyon, Malo Lacroix works as a director and scenographer and artistic director of Sinople.
Since 2013, he has worked and collaborate on a wide range of creation with theater, opera, film and installation. Past experiences include projects with Jean Louis Grinda, Jean Romain Vesperini, Murcof, Allex Aguilera, Robert Henke, Antoine Mermet, Philippe Gordiani, Dasha Rush. Bridging video, digital art with physical object, texture and new narrative forms, Malo presented different creations in institutions such Dutch National Opera & Ballet, Amsterdam, Grand Théâtre de Québec, Macerata Opera Festival, Teatro Cervantes de Malaga, Musée Fabre Montpellier, Berliner Festspiele, Ohm, Berlin, Forte festival Portugal, Gaîté Lyrique et Théâtre du Chatelet, Paris, Stereolux, Nantes, De Brakke Grond, Amsterdam, TNP, TNG, and Nuits Sonores, Lyon, Positive Education Festival, Saint-Étienne, Metropolitan pavillon, New York et Gamma festival, Saint Petersburg. In 2019, Malo was awarded a bronze medal at the Shenzhen Design Week in China for the Porte Nef project, resulting from a collaboration with architect Maxime Aumon and composer In Aeternam Vale. More recently, he joined the creation of A l'originie fût la vitesse by Philippe Gordiani and Nicolas Boudier based on La Horde du Contrevent by Alain Damasio, coproduced by Théâtre Nouvelle Génération as well as Le Ring de Katharsy by Alice Laloy at the Théâtre Nationale Populaire. In 2024, his short film Celui qui voulait croire au Bison was awarded International Competition at Videoformes festival in Clermont Ferrand.
Alex Clark is a composer, arranger, and creative producer whose work bridges orchestral tradition, digital media, and interdisciplinary collaboration. Drawing on a background in composition, conducting, and multi-instrumental performance, Alex creates music that moves fluidly between concert hall and studio, blending acoustic craft with contemporary production.
Through Aseosa Productions, he develops original works and arrangements for orchestras, chamber groups, and cross-disciplinary projects, often integrating technology and visual elements to expand the concert experience. His career has evolved from orchestral librarianship into a broader creative practice encompassing concert design, digital performance, and new music development. Alex’s recent work focuses on immersive, collaborative approaches to composition
that invite dialogue between artists, audiences, and environments.
“I could still feel there was more. The world just kept spinning… My body was still. But inside, I kept tumbling.”
These words come from Laura Hickli’s therapy sessions, not lyrics. Her album dark secrets—the first of three—is anchored in a traumatic 24-second moment in 2023. While touring the U.S., her van skidded off the road, rolled three times down a slope, and left her confronting mortality in a surreal blur of slow-motion chaos. Though no one was seriously injured, the crash left a lasting physical and psychological mark, sparking a deep exploration of trauma, fragility, and meaning.
For Laura, who is autistic, the aftermath was particularly intense. PTSD, hyper-awareness, and sensory overload made recovery a daily challenge: “Sometimes I genuinely don’t know how I made it through the day,” she says. The songs on dark secrets reflect this struggle—raw, unsettling, and painfully human. Tracks like “Wanting” and “Little Girl” confront existential questions and past trauma, blending confessional reflection with attempts at acceptance.
Laura’s resilience is rooted in music. Raised in a highly religious household, she learned early to navigate complex belief systems, a theme explored in her previous release, Both Feet In The World, At Least I Can Stand. Touring and performing have long been her outlet, a way to process the battles in her mind. After the accident, she returned to music through exposure therapy, gradually reclaiming the stage and her creative voice.
dark secrets marks a step in Laura’s ongoing journey toward reconciliation with those 24 seconds. Recovery is non-linear, but through creation, performance, and connection, she finds a sense of understanding and communion. Her music is not just art—it is survival, witness, and a bridge to the world beyond trauma.
She previously served as a School and Public Programs Educator at The National Music Centre and brings over nineteen years of private music teaching experience to her practice. Beyond her solo work, she is a member of the Western Canadian Music Award-winning art rock band 36?, and co-owner of the boutique guitar pedal company 36? Circuits. Her expansive career embodies the transformative power of vulnerability, experimentation, and artistic risk-taking.
Le plan de repas correspond à un crédit de 68 $ par jour.
Grâce à un système de crédits applicables aux repas pris sur le campus, nos plans de repas flexibles vous permettent de choisir vos repas en fonction de vos besoins durant votre séjour. Le Centre des arts de Banff peut répondre à la plupart des demandes en matière de restrictions alimentaires.
Les frais du programme comprennent l’hébergement dans une chambre simple sur le campus du Banff Centre pendant toute la durée de votre programme.
Tissez des liens avec d’autres artistes sur le campus et concentrez-vous sur vos projets dans un milieu inspirant la créativité pendant que nous nous chargeons de vos besoins quotidiens.
Chaque participant se verra attribuer un espace d'écriture privé sur le campus. (studio)
Ce programme vous offre des occasions de présenter votre travail en cours à l’une des salles de spectacle.
Participez à ces séminaires de groupe et à des ateliers.
Library and Archives soutient les participants, les artistes et le corps enseignant du Centre des arts de Banff.
65 $ par personne ou par groupe, 35 $ pour les candidats s’identifiant comme autochtones.
Les frais de demande ne sont pas remboursables. 100 % de ces frais sont consacrés à l’administration de la demande dans SlideRoom.
Nous sommes heureux d’offrir une gamme de bourses pour soutenir les participant(e)s à nos programmes. Les détails sont présentés ci-dessous :
Pour être considéré(e) pour les bourses du Banff Centre, veuillez remplir la section Aide financière lors du téléchargement de vos documents justificatifs.
Découvrez d’autres façons de financer votre expérience en consultant notre liste sélectionnée d’occasions nationales et internationales ici.
Vous trouverez de l’information sur notre politique sur l’annulation ici .
Le Centre des arts de Banff délivrera des reçus officiels à des fins fiscales pour les frais de scolarité admissibles ainsi que pour l’aide financière et les bourses, comme l’exige la Loi de l’impôt sur le revenu. Vous recevrez un T2202 (Certificat pour frais de scolarité et d’inscription) pour les frais de scolarité admissibles payés, et un T4A (État du revenu de pension, de retraite, de rente ou d’autres sources) pour l’aide financière et les bourses applicables.
Apprenez-en plus sur les étapes pour compléter votre candidature.
Un curriculum vitae d’une page décrivant le parcours scolaire et professionnel, ainsi que les autres expériences pertinentes.
Une lettre de présentation d’une page expliquant pourquoi ce programme vous intéresse et ce que vous espérez accomplir en y participant.
Fournissez une description de 500 mots de votre projet proposé, y compris le thème, un aperçu des matériaux et des installations qui pourraient être nécessaires, ainsi qu’une ventilation des échéanciers. Ces résumés serviront de texte narratif à des fins administratives et publiques.
Décrivez tous les studios, équipements, logiciels, installations ou soutien du personnel nécessaires pour votre projet. L'allocation finale des ressources relève de la discrétion du département. Ce formulaire se trouve dans la section SlideRoom de la demande.
Veuillez fournir jusqu’à trois exemples de votre travail sur support audio ou vidéo, pour une durée totale maximale d’environ 10 minutes. Vous devriez chercher à démontrer toute l’étendue de vos capacités en sélectionnant des œuvres contrastées. Les ensembles préformés doivent soumettre des enregistrements collectifs.
Assurez-vous de remplir la section portant sur l’aide financière si vous voulez y être admissible.
Le candidat responsable doit :
À noter : Des frais d’inscription de 35 $ pour chacun des autres membres de l’équipe s’ajouteront aux frais de demande lorsque le groupe sera accepté au programme.
Les participants sont choisis par un comité de sélection composé d’évaluateurs internes et externes. Au nombre des critères de sélection figurent :
Nos programmes sont très compétitifs et le nombre de places disponibles est limité. Les candidats seront avisés du résultat de leur démarche dès que le processus de sélection sera terminé. En raison du grand nombre de demandes présentées, aucune rétroaction individuelle ne sera fournie.
Tous les programmes, professeurs, dates, frais, et offres d’assistance financières sont sujet à changement. Les tarifs pour les programmes sont sujet aux taxes applicables. En cas d’annulation, les frais et acomptes non remboursables seront gardés; tous les autres frais seront remboursés à la discrétion du Banff Centre. L’heure limite pour postuler est 23h59, Heure Normale des Rocheuses.
Pour toute question relative à la préparation de votre candidature, veuillez contacter les admissions:
